PostaData

PostaData Nro. 4 "Quereme así, piantao"

2009-12-30T15:30:00.000-03:00

Quereme así, piantao

2009-12-30T15:18:00.002-03:00

La locura, a veces, no es otra cosa que la razón presentada bajo

diferente forma.

Johann Wolfgang Goethe (1749-1832)

¿Y quien te dijo que no estás loco?

Quizás no estés loco “hoy”, quizás tampoco mañana. Pero si te agarraramos de las narices, tal cual sos hoy, y te pusiéramos 50 años atrás, o 100, ¿lo estarías?.

Suponte que no te movemos de tiempo, pero que simplemente no estás de acuerdo con ciertos parámetros que la sociedad persigue, en este caso para finales de siglo XIX, igualmente, serías un loco.

Hasta el siglo XIX se designó como locura a un comportamiento que rechazaba las normas sociales establecidas. La palabra locura viene del latín vulgar “delirare” que significaba originalmente en la agricultura “salirse del surco recto”.

Por esos tiempos apareció un tal Freud, su inconsciente y la división de las psiquis, para tratar de entender los comportamientos del cerebro humano. Pero ni él, ni Lacan, ni los fármacos, ni los electroshocks, ni aun hoy, los científicos, pueden encontrarle una razón o una cura a las enfermedades que hasta hoy están consideradas “locura”.

“Los locos abren los caminos que más tarde recorren los sabios”.

Carlo Dossi (1849-1910)

Algunos dicen que los genios son locos. Otros, simplemente que los locos son mas “apasionados” por las cosas que hacen. Pero en definitiva, todo termina girando sobre lo mismo. El inconformismo, el sentirse fuera de un todo, el buscar una vía de escape hacia la libertad. Y eso fue lo que les pasó a varios artistas en su época, ya sea pintores, escritores, músicos.

Janis Joplin (1943-1970) fue una cantante de rock and roll y blues caracterizada no solo por su voz sino por su espíritu rebelde. Fue un símbolo femenino de los 60.

Desde muy joven fue la chica rebelde del rock and roll. En el primer año del instituto fue una marginada de sus compañeras de clase por ser “amiga de los negros”. Y tan solo con 17 años empezó su carrera en la música. En 1963 comenzó su camino en las drogas y en el under del rock y el blues, y cuando en 1965 iba a casarse y renunciar a esa vida, fue abandonada por su prometido, lo cual, dicen, marcó el resto de su vida para siempre. En 1968 y contratada por Bob Dylan lanzó su primer disco que se convirtió en disco de oro pasado solo un mes de su puesta en venta. En el 69, y ya casi perdida por la heroína, relataba en entrevistas “hago el amor con 25000 personas en el escenario y luego vuelvo a casa sola”. En los setenta, cuando ya se la pensaba fuera de las drogas luego de un viaje para desintoxicarse, la encontraron muerta por una sobredosis de heroína, luego de 18 horas.

María Soledad Rosas, mas conocida como Sole, inició su vida en 1974. Nacida y criada en Barrio Norte (ciudad de Buenos Aires), en una típica familia conservadora, y asistiendo a los mejores colegios privados de la zona fue una perdida mas en su propio mundo.

Aunque a su madre le costó que terminara el colegio secundario, Sole le prometió cumplirlo y así fue. Luego, a pesar de anotarse en la facultad y de no necesitar trabajar para vivir, comenzó a dedicarse a pasear perros. Trabajo que no solo no era reconocido en gente de su clase, sino que además la hizo conocer a personas que le mostraron otro costado de la realidad.

Una inconformista incansable, buscaba su lugar como nadie, tratando de encontrar el sitio que le correspondía. Por cuestiones de la vida, y de un novio golpeador, sus padres decidieron regalarle un viaje a Italia junto con una prima. A pesar de varias negativas terminó aceptando el regalo, quizás como un presagio en su tan mentada búsqueda.

Una vez en Italia conoció las casas tomadas por anarquistas, en donde terminó parando un tiempo. Al momento de terminar su viaje, solo su prima regresó, diciendo que Sole había encontrado su lugar.

Allá se enamoró, se volvió vegana, vivió en casas tomadas y participó en marchas en contra del capitalismo.

El estado italiano, que no podía ya contener al movimiento squatter la acusó, junto con su novio, de eco terrorismo. Ella murió en 1998 victima de un suicidio, luego de que su novio también lo hiciera, estando en una casa en las afueras con prisión domiciliaria. Algunos dicen que ella no lo hizo. Lo cierto es que las pruebas para acusarla no existían.

Hubo marchas, banderas y afiches, “seguiremos luchando por la anarquía con Sole y Baleno”, pregonaban. La casa comunitaria donde vivía la pareja amaneció de luto, con cortinas negras y la consigna: El Estado mata a aquellos que no doma. Gabriela Rosas, la hermana, dice no estar muy informada sobre lo que está pasando en Italia. “Lo que es seguro es que mi hermana no era muy amiga de rendirle honores a nadie. Y no creo que piense distinto hoy, esté donde esté”.

Se ha dicho que los poetas son rebeldes, que son locos, que son visionarios. Estos son solo dos ejemplos de muchos, tantos otros.

"El poeta que estuviera satisfecho del mundo en que vive, no sería poeta", dijo una vez Giovanni Papini. Y en definitiva "de poetas y locos todos tenemos un poco”.

Los poetas viven "en las nubes", según otra expresión popular muy conocida. Razón por la cual, como sabemos, Platón no podía tolerarlos en su República ideal, ya que los tenía por incapaces de prestar una colaboración eficiente en la administración de la misma.

La verdadera locura quizá no sea otra cosa que la sabiduría misma que, cansada de descubrir las vergüenzas del mundo, ha tomado la inteligente resolución de volverse loca.

Heinrich Heine (1797-1856)

Pichón Riviere realizó una renovación profunda de la clínica y la terapéutica en las psicosis. Se basó en el vínculo, definiéndolo como la manera particular en que un sujeto se relaciona con otro creando una estructura particular para cada momento, es decir, dinámica y en constante movimiento. Pero Pichón Riviere entiende al vínculo como una estructura mucho más compleja, donde intervienen dialécticamente un sujeto, un objeto, las fantasías inconscientes y un tercero proyectado en el otro.

Es a partir de la teorización sobre el vinculo que Pichón Riviere acuña y da sentido al termino “grupo operativo”, a partir del cual comienza a emplear nuevas teorías y técnicas.

El planteaba que “la locura, en su forma aparentemente irreversible, puede ser si no vencida al menos reparada, no por el ejercicio de la razón discursiva sino por las virtudes del agrupamiento asociativo”. Por un lado en los hospicios, comienza a generar, por ejemplo, equipos de futbol, haciendo que ese grupo encontrara en cada partido, casi una familia, alguien a quien responderle y que le respondan, una participación en algo que los hiciera sentir que existían. A su vez, planteaba la importancia de la familia como tal y como otro grupo que debería de encontrar su funcionamiento lógico.

Finalmente plantea lo “operativo” que coincide con la elaboración de la situación a la que responden las ansiedades básicas (miedo a la perdida y miedo al ataque), esto fundamenta su concepción de la “creatividad” dado que la acción creadora se caracteriza por disminuir las ansiedades básicas y en ella se sintetizan la plasticidad, el metaaprendizaje, y la disposición al cambio.

“La ciencia no nos ha enseñado aún si la locura es o no lo más sublime de la inteligencia”.

Edgar Allan Poe (1809-1849)

El conocimiento científico actual de la locura se ha creado con la recopilación de datos exclusivamente norteamericanos y europeos. Pero el 80% de la población mundial y, por lo tanto, la mayor parte de los enfermos mentales, viven en Asia, África y Sudamérica. Por otro lado, no se debe olvidar que en los países en desarrollo, debido a la precariedad de sus recursos económicos y a sus carencias infraestructurales, existen prioridades anteriores a la preocupación por conseguir una salud mental aceptable: combatir el hambre, el sida, la diarrea o el paludismo.

Las locuras que más se lamentan en la vida de un hombre son las que no se cometieron cuando se tuvo la oportunidad.

Helen Rowland (1875-1950)

Otros dicen que nosotros estamos locos, pero parafraseando a Ketama, quizás lo nuestro sea algo así como “sabemos lo que queremos…vive la vida igual que si fuera un sueño... soy bohemio soñador, pregonando mis canciones…la noche a mi me seduce y embruja mi fantasía…y es que la noche me inspira y es mi adorada enemiga… de que lo somos, lo somos! (locos) y esta tierra vacilamos, pero la bola del mundo queremos abrazar con nuestras manos”

O sea que: si no estás de acuerdo con esta sociedad, si sos extremadamente inteligente, si sos un genio de las artes, o si vivís en Sudamérica o África, no solo estás loco, sino que además no tenés cura. Por eso, mejor, seguí leyendo esta revista a ver si te sentís identificado.

Aires de locos

2009-12-30T15:17:00.002-03:00

Loqueros, manicomios, acilos. Términos que conviven en el imaginario colectivo y en el relato periodístico. Con una carencia mayor: sus protagonistas no están. La exclusión de una patología los dejó al margen de la convivencia familiar y del contacto social.

Están -para muchos- ausentes. Ausentes de debate, ausente de reivindicación, de estímulo externo. Pero hay una fuerza interior que los mueve e incita a potenciar sus capacidades. Son los denominados “locos” con mucho por decir, y poco espacio desde el cual comunicar.

En pocas ocasiones sus vivencias tienen aparición en medios masivos. La representación de la realidad que los medios realizan los priva de interactuar con un público extenso y heterogéneo.

El arte de crear desde la locura es una interesante historia para contar, aún cuando los prejuicios están latentes y la sociedad no pueda concebir al paciente de un nosocomio de otra manera que no sea como un desbordado mental.

Cosa de locos

Como los locos de la azotea, “Los Colifatos” también ser convirtieron en pioneros de su experiencia. Los primeros buscaron en la radiofonía concretar la obsesión de transmitir desde la terraza, haciendo llegar las voces y los sonidos através del éter. Los pacientes del Borda utilizando el mismo aire, en otros tiempos y con otras experiencias, desean traspasar los muros y que la sociedad sea la receptora.

Con la implementación del programa, el relato reivindicatorio del paciente con trastorno neuropsiquiátrico fue narrado desde los pasillos del Hospital porteño, en una experiencia intramuros que supo traspasar todas las barreras de los prejuicios y los conceptos erróneos. En este ámbito pudieron mostrar las producciones materiales y simbólicas.

Con ritmo tranquilo pero persistente, Alfredo Olivera y Laura Gobet lograron un espacio de comunicación para producir cultura. El Westinghouse enorme que utilizaba Olivera fue testigo de aquellas grabaciones que recuperaron las palabras, las voces y que además quedó como registro desde 1986, tiempo en el cual nació esta sana experiencia. Trasladada a columna radial, la idea fue conservar la narración de las vivencias desde la expresión de cada interno. Luego aparecieron los mensajes “del afuera” para generar un verdadero y constructivo feedback.

En este espacio de construcción, contención y encuentro; las contrariedades también estuvieron presentes pero los logros pudieron superar cada una de ellas. Alcanzaron una transmisión propia con un programa radial emitido desde el patio del hospital como estudio de radio. Después vinieron las investigaciones internacionales a reflejar el fenómeno. Hasta que en 2004 saltaron a la pantalla televisiva en “Telefé”, con “La Colifata TV”.

La gran historia que conforma “La Colifata” es una verdadera respuesta a la ausencia del tema en la agenda mediática. Es también un desafío para los colectivos sociales que piensan a los medios como canales de transformación y gestan experiencias de comunicación alternativa. Guiones espontáneos de las vivencias y el aprendizaje, luz roja que indica aire y es testigo; y el oyente como cómplice. La Colifata está en el aire.

El loco no está enfermo

2009-12-30T15:16:00.000-03:00

Cada vez que mencionemos a la locura, no utilizaremos la concepción “enfermedad mental”. Creemos que son muchas las causas de la locura pero no contamos entre ellas ningún factor químico o genético. Aceptar eso implicaría considerar que el loco está determinado como loco por su propio cerebro. La locura es ante todo un dispositivo político, cultural y semiológico que cada sociedad particular utiliza como herramienta de control sobre las normas de convivencia.

En la dimensión sociopolítica el teatro y la locura han sido compañeros en experiencias para la inclusión social de los locos. El teatro le devuelve al loco la dignidad y el respeto que el asilo le quitó. Aquí, en Argentina, esta lucha por los derechos humanos de los locos se conoce como el proceso de “Desmanicomialización”. Este proceso encuentra exponentes en la experiencia del “Frente de artistas del borda”, radio “La Colifata”, los congresos de “Derechos humanos y salud mental” organizadas por las Madres de Plaza de Mayo, la “Red Argentina de Arte y Salud Mental”. Al exponerse en la presentación teatral, el loco no sólo afirma su identidad sino que lo hace al mismo tiempo que muestra un saber y funciona en la sociedad. El manicomio pretende quitarle su identidad en el proceso químico de medicarlo, retirarlo de su función social y castrar su saber por considerarlo “peligroso para sí mismo o para terceros”.

Para hablar de teatro y locura, necesariamente debe pensarse la vida y obra de Antonin Artaud, quien fue internado los últimos 10 años de su vida en distintos hospitales psiquiátricos. Artaud siguió escribiendo poesía, ensayo y teatro, desde los hospicios; siendo “Para Terminar con el Juicio de Dios”, su último y uno de los más brillantes libros. En este caso particular llama la atención doblemente su obra por cuestionar al teatro psicológico que ante todo busca representar el texto en escena. Artaud por el contrario propone que la escena deberá ser un espacio donde se revelen verdades metafísicas, fuerzas y poderes invisibles. A diferencia del teatro realista, el teatro de la crueldad de Artaud sostiene que la verdadera escena no es verosímil a la realidad ordinaria sino verosímil a los sueños y las pesadillas. Por lo tanto las palabras sonarán extrañas y deformadas en lugar de claras y precisas como en el teatro de texto⁽¹⁾.

Muchos directores de Teatro fueron inspirados por la obra de Antonin Artaud, tales como Jerzy Grotowsky, Peter Brook, y Eugenio Barba. El actor, dramaturgo y director argentino Juan Carlos Gené sostiene que son cuatro los grandes maestros del Teatro: Constantin Stanislavski, Antonin Artaud, Bertold Brecht y Jerzy Grotowsky(2).

Hace más de 2500 años, en Grecia, antes de que el teatro fuera tomado como actividad política para que el ciudadano realice Katarsis, el teatro significaba una profunda verdad psicológica. Hoy día ir al teatro a ver verdades mitológicas, es un absurdo. El teatro que soñó Artaud pretende crear nuevas verdades mitológicas y descubrirse más verdadero que la realidad misma.

La palabra del loco no representa los significados del cuerdo, representa otros significados que la moral burguesa condena. Michel Foucault⁽³⁾ sueña con un futuro posible: “Quizá llegue un día en que no se sepa bien lo que ha podido ser la locura… Artaud pertenecerá al suelo de nuestro idioma, y no a su ruptura; las neurosis a las formas constitutivas (y no a las desviaciones) de nuestra sociedad. Todo lo que hoy sentimos sobre el modo del límite o de la extrañeza, o de lo insoportable, se habrá reunido con la serenidad de lo positivo.”

La Locura

2009-12-30T15:15:00.002-03:00

Parecería ser que ningún sujeto dudaría jamás en afirmar que sabe lo que es un loco. Seguramente adornaría con copiosos relatos su forma de describir la locura. Tal vez opte por describir al loco del barrio, quien vestido de referí corre de esquina a esquina haciendo sonar un silbato.

Vulgarmente se suele entender a la locura como “todo aquello que se encuentra por fuera de lo común y esperable”. Esto le permite al ciudadano promedio depositar en la figura del loco todo aquello que considera desviado de la norma.

Pero pensando la locura de esta manera surge un interrogante ¿Es solo loco aquel que corre vestido de referí por la calle? Claramente podemos comenzar a darnos cuenta que no. Con esta definición, la locura comenzaría a ser funcional al mantenimiento de la moral y las buenas costumbres de una sociedad. Loco sería todo aquel que fuera en contra de esta moral, como un profesor enseñando temas novedosos, líderes que proponen cambios, minorías raciales, religiosas o sexuales que exigen igualdad de derechos, etc.

Siguiendo esta línea, la otra cara de la locura sería “la razón”. La razón, entendida como “acto de discurrir el entendimiento”, sería el representante de la realidad, y todo lo que por fuera de ésta se encuentra podría ser considerado una locura. Pero ¿Qué es la realidad?

La mayoría de las escuelas de psicología coinciden en definir a la realidad como una construcción. Esto quiere decir que la realidad que entendemos es la que podemos traducir a través del lenguaje. No existe el “árbol” como fenómeno real sino que al percibirlo no podemos evitar significarlo con la palabra “árbol”. De la misma manera, cada fenómeno de la realidad está significado con palabras y estas palabras contienen un sentido para entenderla. Entonces, para la psicología, “el loco” sería aquella persona que no posee determinados significantes para construir ciertas cuestiones de la realidad. Pero no cualquier cuestión. No posee un significante que le permita entender la forma de relacionarse con los otros dentro de la cultura donde está inmerso y cómo se relacionan todos los significantes entre sí. Como consecuencia de esta falta, el psicótico percibe como alucinatorias algunas funciones psíquicas que las personas consideran normales. Por ejemplo, se podría decir que “la voz” que escuchan algunos esquizofrénicos no sería muy distinta a la voz que escuchamos en nuestra cabeza cuando reflexionamos. Solo que para el primero, esa voz se le presenta como ajena e intrusa a su persona.

Si entendemos a la realidad como una construcción, debe ser entendida como un proceso activo de crecimiento y descubrimiento. Siempre pueden aparecer nuevas formas de significarla. El problema radica cuando ciertos dogmas, sean religiosos o científicos, vuelven rígidas algunas definiciones sirviéndose de la locura como forma de explicar el pensamiento disímil. La historia de la humanidad fue testigo del cruel trato que recibieron ciertos grupos de personas por pensar de manera diferente.

El loco como concepto vulgar y la locura como concepto psicopatológico son cosas muy diferentes, pero ambos tienen algo en común, el miedo… miedo de la gente a lo desconocido.

Jacobo Fijman y Antonin Artaud: una comunión de soles negros

2009-12-30T15:14:00.005-03:00

Existen en la literatura ciertos casos en los que vida y obra de un escritor suelen ir fuerte de la mano. Algunos autores, indudablemente tocados por la locura, han escrito fuera de ella y a través de ella. La lista podría ser interminable, pero quisiera rescatar a dos poetas cuyos casos considero excepcionales, y no sólo porque las vidas de ambos fueron atravesadas por eso que llamamos habitualmente “locura” o por haber dejado en sus obras el sello inconfundible del delirio, sino también porque ambos, con graves problemas psiquiátricos, estaban predestinados a la verdadera locura: esa que signa el camino dejando detrás un perfecto resabio a desdicha, soledad y angustia al bajar la persiana de cada día.

Un encuentro casual en el café La Coupole de París los enfrentó, durante la primera estadía de Fijman en la capital francesa. El poeta argentino contó que Artaud y él estuvieron a punto de pelearse cuando se conocieron: “Yo me identificaba con Dios y Artaud con el diablo”. Quizá este sea el punto de partida para hablar un poco de dos grandes artistas que –situados en orillas diferentes- sufrieron internaciones varias y definitivas en hospitales neuropsiquiátricos, donde fueron sometidos a tratamientos reiterados de electroshocks y condenados al descarte social –salvo por los pocos amigos que cada uno contaba- y donde la muerte supo encontrarlos.

Por un lado, Jacobo Fijman, un judío que abrazó el catolicismo en mitad de su vida, un poeta que le escapaba a la metáfora y que trasladó su poesía desde la imagen, el gesto y el lenguaje corporal hacia el símbolo y la metafísica. Su crisis mística lo llevó a reemplazar al Dios del loquero, que aparece en su primer libro, por el Dios de las alturas, perdiendo el cuerpo físico de la manera más poética para purificarse con el fuego de la pasión espiritual. Toda su obra, más allá de las cuestiones religiosas, es reflejo auténtico de infinita soledad, tristeza, desamparo y desesperanza. Fijman encierra en ella la temática de la locura oponiéndola a la cordura, y se muestra preso de un destino de exclusión que incluye pobreza, reclusión y olvido.

Antonin Artaud, en cambio, buscaba otra salida para extirparse la angustia. Partiendo de un lenguaje no poético, en su mayoría rústico y escatológico, con una necesidad de encarnar el cuerpo en el Verbo –en un sentido lírico- supo materializar esa misma necesidad en sus propias palabras: “Soy un cuerpo y no un espíritu”, pese a manifestar que “No ha quedado demostrado, ni mucho menos, que el lenguaje de las palabras sea el mejor posible”. Decía destruirse espiritualmente a sí mismo, contrariamente a lo que sostenía, subrayando ser poseedor de un estado físico inexistente, incompleto, abandonado. Sin embargo, declaraba por momentos que su sola pretensión era mostrar ese espíritu que negaba con frecuencia. Se consideraba una especie de génesis de los reflujos de la mente, rellenos de esa angustia que permanecía intacta y que podía curarse únicamente con la supresión del vacío espiritual.

Tanto uno como el otro permanecen todavía al margen de los cánones literarios, vagamente reconocidos e incrustados en un arte “patológico” de alienados, sin entidad, por haber dejado entrever en sus obras una clara referencia autobiográfica aun marcando de manera constante las fronteras entre la creación artística y sus problemas psiquiátricos. Es mi deseo ferviente que las poéticas de Artaud y Fijman persistan dignas y limpias de toda paranoia y de todo hospicio.

La configuración del propio cuerpo a partir de la imagen

2009-12-30T15:14:00.004-03:00

Como en el espejo, es en fotos que buscamos reconocernos. Una fotografía es un espejo de papel, fija nuestro reflejo y lo conserva en el tiempo. Así como tantas veces desconocemos al personaje que intercepta nuestra mirada desde el otro lado de la pieza pulida, tantas otras tampoco nos identificamos cuando nos vemos retratados. Nuestra imagen interna no coincide con aquella que la cámara capta, se abre un vacío entre original y duplicado, entre éste que soy hoy y aquél que fui ayer. Conocemos nuestras manos, nuestros ojos, nuestra boca, la expresión de alegría, la de furia, la de placer; pero no reconocemos las expresiones del duplicado, ni sus rasgos.

Mayoritariamente los seres humanos no precisan verse para percibir su individualidad. En otros casos, solo la imagen permite el reconocimiento del yo. David Nebreda es uno de esos casos. Diagnosticado esquizofrénico paranoide desde muy joven, Nebreda hace uso de la cámara para reconocerse.

Este fotógrafo autodidacta vive en Madrid, aislado de la sociedad y sin medicación alguna. Desde allí salieron sus autorretratos y posteriormente fueron exhibidos en Paris y editados en formato libro. Las imágenes son el reflejo congelado de un hombre torturado por la locura, pareciera que solo mediante la laceración de su cuerpo consigue comprenderlo y declararlo propio; y la fotografía prolonga este reconocimiento por tiempo indefinido.

En otras imágenes Nebreda capta el instinto más animal del hombre, aquello que al construir una psique sana dejamos enterrado en nuestra parte más profunda, lo que el arte solo puede simbolizar mediante retórica y efectos plásticos. Con la construcción de realidad que solo la cámara infiere, el público es expuesto a este instinto en su estado puro y concreto. Este mostrar con descarno, tan primitivo, es lo que pareciera mantener la fascinación del espectador que gusta de la obra de este fotógrafo.
Las imágenes que captó Nebreda fueron creadas para su propio uso, como terapia necesaria para enfrentar su particular confusión, él es emisor y receptor de su propio mensaje. Así es como el espectador se vuelve un espía, un mirón, un testigo del dolor ajeno, del terror de otro. El calvario impropio nos coloca en la difícil posición de consciencitizarnos de nuestra propia humanidad, de que la agonía no se encuentra tan lejana y la posibilidad de advertirla en un otro sirve de catarsis interior, actúa como exorcismo de nuestro propio terror. De esta manera la obra de Nebreda repulsa hasta sentir la necesidad de correr la vista, pero a su vez atrae los ojos como dos imanes, hambrientos de brutalidad y desasosiego. Sólo la fotografía, con su concepción de registro y fijación de lo real, consigue en una primer instancia imprimir a la imagen con un velo de veracidad y en un segundo momento, ante el desgarro, de artificialidad, como buscando la ubicación del truco, porque es demasiado brutal para ser real.

¿Pero realmente Nebreda realizó estos autorretratos solo para él? Toda producción de sentido, aunque sea en último grado, conlleva la posibilidad de que un otro sea testigo. Así es como Nebreda tomó su retrato tratando de entender su desorbitado mundo particular, pero también para que el mundo que orbita alrededor de su aislamiento sea tocado por la locura.

Arte, locura… y ciencia

2009-12-30T15:13:00.003-03:00

Arte y locura, terreno doblemente resbaladizo. Sitios visitados y revisitados infinidad de veces. Quizás hoy más que nunca, y en ciertos sentidos, arte y locura en sus trayectos se bifurcan y por tramos se intersectan. ¿No entramos acaso en un similar estado de perplejidad cuando nos cuestionamos acerca de arte y locura, de nuestros modos de sistematizarlos y nombrarlos?

Días atrás, me consultaban sobre una pintura publicada en la columna lateral de mi blog, Artilunio*. Se trata de Gato Cósmico y pertenece a la serie Zoología Fantástica realizada por Luis, artista psicótico que integraba un Taller de arte en el Hospital Borda.

Intentando responder aquella consulta revisé el libro de donde la extraje, Arte y locura por M. C. Melgar, E. López de Gomara y R. Doria Medina Eguía, quienes en su Introducción anotan: “Foucault escribió que, cuando la ciencia comenzó su “largo monólogo con la razón acerca de la locura”, se dejó de oír la voz de la locura. Razón y locura se contradicen. No obstante, las artes, las ciencias y las tecnologías suelen revelar que las distancias son menos largas y las barreras más flexibles.”

Volvamos ahora a revisar aquello de que sólo en ciertos sentidos arte y locura se cruzan. Si bien ambos se procuran transitar sitios de desvíos, o distintos registros de realidad/es; las rutas del arte conducen siempre a una estética comunicable y traslativa, mientras las diversas formas de locura patológica no logran desatar sus “otros mundos” del nudo inmóvil de lo irrepresentable. Es allí donde el arte puede significar una alternativa terapéutica para aquellas patologías, tendiendo un puente sobre esa brecha comunicativa. Distancia que hoy, puede percibirse como más notable.

Esto, teniendo en cuenta que para una diversa producción artística (Web mediante), uno de los pactos fundacionales se asienta en el acto del compartir, en la interactividad, y la interconectividad, en la traslación telemática y las múltiples interconexiones de nuevos mundos.

Pero ¿cómo y a partir de dónde se codifican esas otras realidades, y no tan sólo ya, las surgidas de los espacios del arte o la locura?

Vayamos por un momento a otros territorios, a los de la ciencia. Allí, la Física Cuántica también provoca ciertos temblores en los suelos de la estabilidad.En un ensayo titulado Borges, Teoría cuántica y universos paralelos, Oscar A. Marco Rodríguez apunta:

“La teoría cuántica, aunque extraña y a veces reñida con el sentido común, es la más exitosa y abarcativa de todos los razonamientos de la ciencia física y en y por ella se postula que es posible que no exista una sola “realidad”; pueden existir potencialmente infinitas “realidades” e identidades, tantas como elementos -ora objetos/sujetos, ora sujetos/objetos- que interaccionan (…) en “El jardín de los senderos que se bifurcan”, Borges ya en 1941, a través de sus personajes, nos habla de sus sospechas sobre la potencial multiplicidad de la “realidad”.

Volviendo sobre otras simultaneidades e imaginarios felinos (como los de Luis), según un experimento realizado por el físico Erwin Schödinger (1935), conocido como el Gato de Schödinger**, este singular felino puesto en una particular situación podría encontrarse simultáneamente vivo y muerto: “Propuso una caja que contenía un gato, una partícula radiactiva y un frasco de veneno. La partícula radiactiva tenía un 50% de probabilidades de desintegrarse en un plazo de una hora; si lo hacía, el veneno se liberaba y el gato moría (…) la suerte del gato dependía de la suerte de la partícula (…) sólo el hecho de observar el interior de la caja permitía que el gato viviese o muriese”

Retornando una vez más al Gato Cósmico de Luis, me pregunto si en esa imagen felina, puente comunicante “locura-arte”, esos movimientos dibujando ondas expansivas y multiplicadas no estarán buscando, de algún modo, sintonizar similares frecuencias, ensayando conexiones entre “otras” coherencias.

El repertorio de un loco en el séptimo Arte

2009-12-30T15:12:00.004-03:00

Según la teoría de los tres anillos concéntricos de Alfredo Moffat, el artista para poder crear tiene que sumergirse en un mundo valido de lo irracional, de la vida onírica para poder allanar los territorios inexplorados del espíritu humano. En la escritura, la pintura, en el cine y en las artes en general, las técnicas tomaron forma en base a la intención de trasmitir una esencia, un punto de vista, que implico tener una perspectiva diferente de la realidad; adentrarse en un mundo extenso de conocimientos como también secreto y prohibido para los conservadores: la locura.

En el séptimo arte se supo apreciar desde el Expresionismo Alemán de Robert Wiene, con su film “El Gabinete del Dr. Caligari” (1919), este director convierte el relato del imaginario de un loco acompañado con sus distorsionados decorados, en una denuncia de la actuación del Estado Alemán durante la guerra. En el film podemos observar una percepción estética que va más allá de su significación y actúa como una vía de comunicación que capta objetivamente el mundo en que vivimos.

A posteriori surgieron nuevos movimientos de denuncia, que dio lugar a nuevas concepciones del mundo acunado por las escuelas vanguardistas, como el Dadaísmo, manifestándose mediante la burla y gestos “anti-arte” en consecuencia de la quiebra de valores del siglo XX, que promovió la ruptura de todos los esquemas propuestos hasta ese momento. Dentro de este movimiento podemos mencionar a Marcel Duchamp, Man Ray, Hans Ritcher, Robert Desnos, entre otros.

El precedente de la poesía Dadá dio lugar al nacimiento del movimiento artístico surrealista a partir de 1924, que creó un lenguaje libre y sin límites; renovándolo, permitió que el inconciente se manifieste en busca de redescubrir una verdad a través de escrituras automáticas sin correcciones racionales. Este nuevo procedimiento expresivo en la vertiente cinematográfica, fue enmarcada en el cine de vanguardia, donde podemos mencionar a André Bretón, Jean Genet, Maya Deren, Luis Buñuel que trabajo en colaboración con Dalí y esta influencia surrealista tiene precedencia hasta nuestros días. Se puede apreciar en cineastas contemporáneos como David Lynch, Alejandro Jodorowsky, Guy Maddin, Emir Kusturica, Darren Aronofsky; que lo utilizan como recurso expresivo construyendo un visionario frente a realidades existentes en la cultura de una sociedad.

Es así como podemos decir que la locura a través del cine es un recurso inagotable, un elemento poético que transgrede todo límite; cuestionando la verdad nos llama a la reflexión, abriéndonos las puertas de la percepción.

La Locura, compañera inseparable, amiga fiel... cómplice de mis días

2009-12-30T15:12:00.003-03:00

Según algunos entendidos, “la locura” es uno de los deterioros humanos a nivel intelectual o cerebral, neurológico etc. Pero para mí, la locura es un estado placentero que se reserva la máquina para protegerse de las amenazas cotidianas. Un estado pasajero en el cual una se acomoda dependiendo de sus propias necesidades.

Hay diferentes grados de locura, en algunos de los cuales se está bien cómodo, a tal punto de no querer abandonarlo.

Obviamente, la docencia no escapa al tema y como es “mi fuerte”, digo, la docencia, no puedo dejar de analizar algunos aspectos de las etapas escolares.

Locuras varias

Si hacemos una curva de progresión nos damos cuenta que el primer momento definitorio para entrar en un grado de vehemencia es a partir del momento en el que una decide ser docente “sabiendo que” y que “a pesar de”, persiste la idea de complicarse la vida, como si ésta no tuviera de por sí varias complicaciones.

En este nivel nos ubicamos en lo que sería locura inminente.

Con el avance del tiempo y el correr de los años dentro de la práctica docente y ya establecidos en el aula, “ámbito laboral en el que confluyen y conviven todas las locuras conocidas, los padres, los docentes y demás profesionales de la educación, los alumnos y la sociedad misma”, podemos decir que la mente desarrolla una destreza sutil, imperceptible e inteligentemente loca para protegerse de las crudas realidades sociales que nos rodean y nos golpean en el día a día, esto sería una locura perfecta.

Y siguiendo la curva en la cual basamos nuestra mirada y objeto de estudio, tenemos el trayecto final o última etapa que comenzaría una vez pasada la franja de lo que dimos en llamar locura perfecta, a esta etapa la denominaremos locura placentera o disfrutada, donde todo se convierte en ese hermoso fluir del todo está bien y si no lo está hacemos como que sí.

Justo en ese preciso instante cuando uno está relamiéndose del dulce, la locura toma un nombre científico: demencia senil, Alzheimer, el alemán, etc... y ese estado placentero en el que una estaba tan bien posicionada y le daba ciertas satisfacciones, pasa a ser el repudio de los otros, léase, hijos, nietos, amigos, público en general. Esta ya no es una locura mediática sino la triste realidad que se cobró su venganza.

Pero aún así y siguiendo con mi teoría, concluyo que toda mi vida o gran parte de ella la he vivido en un flash, a veces con luces de colores otras con sepia y a veces hasta negro intenso. Paradójicamente dentro de la lógica, debería estar planteándome en esta recta final que comienzo a vivir, el hecho de ser más conciente con la vida misma, pero digo, si lo anterior me dio resultado y no me fue tan mal, ¿para qué voy a provocar una crisis existencial a esta altura de mi vida? ¿Quién se dará cuenta si el pensamiento actual es el correcto o fue el anterior? Y a quien le importa mis locuras mientras ellas sean cómplices y amigas de mis más entrañables pensamientos...con los cuales salgo al ruedo como una diva.

Entonces ¿qué clase de locura es ésta?

La MIA, la creada, la fabricada, la inventada por mi y por tantos otros que no se animan a contarlo... la que no tiene nombre científico. La que nos acompaña durante todo el camino, la que nos envuelve, la que nos hace gritar de alegría o nos hace llorar de tristeza.

Por eso yo les digo ¡VIVA LA LOCURA!

Goya y la razón

2009-12-30T15:11:00.002-03:00

Francisco de Goya es un enigma en permanente metamorfosis. En la historia del arte pocas personalidades result

an tan oscuras como la del genial artista nacido en 1746 en Fuendetodos. Inquieto, prolífico e inclasificable. Goya fue pintor de la corte y pintor del pueblo. Sus temas abarcan desde lo realista hasta la sátira, lo religioso y lo místico. Fue autor de la belleza y del erotismo de La Maja desnuda y del rotundo espanto de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al fresco, dibujante y grabador.

Vivió la mitad de su vida durante el Siglo de las Luces, donde la finalidad del pensamiento era disipar las tinieblas de la humanidad mediante las luces de la razón. En este contexto publica en 1799 Los caprichos, una serie de 80 grabados que mediante el ridículo, la extravagancia y la fantasía, ironizaba y criticaba los traspiés y excesos de la sociedad española de su época. Goya se limitó a mostrar escenas tenebrosas, aparentemente cotidianas, ideadas en escenarios extraños e irreales. Prácticamente en la primera mitad presentó sus grabados más realistas y satíricos criticando el comportamiento de los seres humanos desde el cuerpo prismático de la razón. En la segunda parte muestra grabados fantásticos donde abandonó el punto de vista racional y siguiendo la lógica del absurdo pintó visiones delirantes con seres extraños, donde el hombre y la sociedad se perdían en las transformaciones de la locura.

En el Capricho Nº 43 El sueño de la razón produce monstruos, la leyenda en la parte frontal

donde se apoya el personaje nos muestra como, vencido por el sueño, una vez apagado el mundo de las luces, el hombre entra en el mundo de los monstruos.

Es común que se analice la obra de Goya desde el quiebre que produce en su vida su enfermedad y la consecuente reclusión en la Quinta del Sordo. Durante su aislamiento entre 1819 y 1823, el artista produce las llamadas Pinturas Negras, en ellas se respira una atmósfera donde la fantasía, la brujería, lo terrible y la crueldad, a través de animales con las fauces abiertas, personajes extasiados con los ojos desorbitados, sus rostros caricaturizados y grotescos, hacen de ellas una representación del mundo cerrado a cualquier ilusión. En Saturno devorando a un hijo, el cuerpo mutilado, la iluminación de claroscuro, junto con las piernas del dios sumidas a partir de las rodillas en la negrura de un vacío inmaterial, ponen en evidencia el clima general de estas 14 obras donde los escenarios que se construyen son tanto contemporáneos, como históricos y mitológicos.

Podríamos pensar que sumado a las consecuencias que habría generado el encierro en las decisiones narrativas del artista, el panorama del agitado clima político en la posguerra española y los albores de una modernidad desestabilizante que sumergían al individuo en una encrucijada histórica, pueden dar como resultado esta nueva expresividad. Las interpretaciones posibles son infinitas, los datos muy pocos; sin embargo podemos concluir que sus preocupaciones en torno a las alucinaciones, los miedos y la irracionalidad, se mantienen a lo largo de toda su obra.

Versos en el margen

2009-12-30T15:10:00.001-03:00

El que se suicida
Dejo ese Universo vivo alegre y triste y con
Enfermedades y carencias. Dejo la luz brillando.
Dejo afuera ese pájaro cantor. Llevo el infierno latente
Más que el mismo Dante. Seré la nada en persona, Seré
El fin de mi fin y enterraré las catedrales y los campanarios.
Y el cementerio será mi razón de ser, sumergida en el
Fantasma del desdén.

Liliana N’haux

Mujer Solitaria
Tú corazón es un infierno sola en tu soledad
El espejo oscuro se quiebra y la criatura vela
Escondida sin nombre. Allí va el Carroussel
Con el caballo de juguete y tu inocencia perdida.
Y ese tren imaginario para evadirte de tus sueños
Y tu realidad. Esos sueños que quedaron sepultados hace
Mucho tiempo atrás. Apaga el agua de tu hoguera y
Llora llora lentamente porque pronto estarás allí inmolada
Pero aún así todo tu corazón fiel latirá.

Liliana N’haux

“Tal vez esté enloqueciendo. Porque lo deseo, lo deseo tanto como la muerte. Cierro los ojos y sueño la locura. Un estar para siempre con los fantasmas amados, llámese paraíso, vientre materno, o lo que el demonio quiera (…) Allí, una niña llamada Alejandra, aprendería a sonreír con menos amargura...”

Alejandra Pizarnik

“El agua verde en mi cara, he de beber de ti hasta que la noche se abra. Nadie puede salvarme pues soy invisible aun para mí que me llamo con tu voz, ¿en donde estoy? Estoy en un jardín...

Hay un jardín...”.

Alejandra Pizarnik

Liliana N’haux atravesó un periodo de protagonismo público siendo modelo, tenía 18 años. A los 23, consiguió un puesto en Aerolíneas Argentinas como azafata. Y a partir de aquí, su vida atravesó un infierno mental surcado por una psicosis aguda que se inició con varios intentos fallidos de suicidio.

Desde 1988, Liliana N’haux estuvo internada en distintos hospicios psiquiátricos hasta que fallece en 2002. Pero previamente, N’haux encontró su remisión mediante la escritura, y estando a las orillas de la marginalidad, se reinventó como poeta.

Sus poesías deben leerse como las confidencias de una mujer socialmente “loca”, pero que supo construir una nueva subjetividad, no sólo para denunciar la psiquiatría mal aplicada, sino para encontrarse ella en un nuevo espacio.

Por su parte, la vida y la poesía, en Alejandra Pizarnik, eran una misma cosa y, en esa forma de delirio poético actualiza siempre un rasgo de locura en sus letras. Ciertos elementos vitales y mortales se fundan para organizar un refugio concreto en ella. Pizarnik era poesía, y vida, y literatura, “ojalá pudiera vivir solamente en éxtasis, haciendo el cuerpo del poema con mi cuerpo”.

No es difícil vislumbrar desde sus primeros escritos algunos rasgos sutiles de locura, más evidentes hacia el final.

Pizarnik deseaba una locura que la sacara de la realidad, que le permitiera vivir en el paraíso creado por su imaginación y su poética. Quizás, hasta se reconozca un estado de placer en la permanencia de ese estado de locura, lo cual significa habitar un territorio literario propio que no se entorpece con la realidad.

En una, la locura era un devenir intolerable, un estado que no debió llegar pero se avecinó sin vergüenza ni cobardía; en la otra, la locura era una esperanza a donde había que llegar, tanto la locura como la muerte se aproximarían y nada haría para evitarlas, sino simplemente abandonarse a sus pies.

¡Ojo, no te frotes en los colectivos!

2009-12-30T15:09:00.000-03:00

El Manual diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales (Diagnostic and Statistical Manual of Mental Disorders, DSM) de la Asociación Psiquiátrica de los Estados Unidos (American Psychiatric Association) clasifica “trastornos mentales” desde categorías diagnósticas. Así, tanto la actividad clínica como la investigativa de las ciencias de la salud procuran estudios para proponer tratamientos para esos distintos trastornos mentales, sin reflexionar necesariamente sobre la legitimidad de sus categorías diagnósticas. La edición vigente del manual es la cuarta (DSM-IV). A su vez, ya está pautado un calendario de investigación que tiene como fin la redacción y publicación del DSM-V, que también mantiene un carácter polémico sobre su uso diagnóstico. Según una entidad productora del saber público de sentido común, Wikipedia, la Organización mundial de la Salud (OMS) recomienda el uso de otro sistema internacional denominado CIE-10 (Clasificación Estadística Internacional de Enfermedades y otros Problemas de Salud, o International Statistical Classification of Diseases and Related Health Problems), de uso generalizado en todo el mundo. El capítulo “Trastornos sexuales y de la identidad sexual” del DSM-IV tiene su correlato en el capítulo V “Trastornos mentales y del comportamiento” de la CIE-10, específicamente en “Trastornos de la identidad sexual”, “Trastornos de la inclinación sexual” y “Trastornos psicológicos y del comportamiento del desarrollo y orientación sexuales” en “Trastornos de la personalidad y del comportamiento del adulto”. La homosexualidad fue eliminada del DSM-IV en 1973 y la transexualidad el 17 de mayo de 1990, que fue declarado “Día Internacional contra la Homofobia y la Transfobia”.

Sin embargo, la “disforia de género” sigue siendo un diagnóstico del DSM-IV con el que se sigue evaluando la transexualidad, el travestismo y/o la transgeneridad. A su vez, en los apartados citados de la CIE-10 se clasifican extensamente una serie de prácticas sexuales como indicadores de patología que incluye tanto la homosexualidad como la transexualidad, el travestismo y/o la trangeneridad. Por ejemplo, se explica un “trastorno de la maduración sexual” que indica que “el enfermo tiene una falta de claridad sobre su identidad genérica o de su orientación sexual, que le produce ansiedad o depresión. Este trastorno se presenta con mayor frecuencia en adolescentes que no están seguros sobre si su orientación es homosexual, heterosexual o bisexual [nótese que deberían estar seguros, definidos, estables en su decisión, elección o asimilación/aceptación de lo que cada quien haya descubierto de sí misma], o en individuos que después de un período de orientación sexual aparentemente estable, a menudo tras una larga relación de pareja, encuentran que su orientación sexual está cambiando”.

Lo que se termina por entender al leer estos textos es que, finalmente, como ya lo explicó largamente Foucault, todo aquello que no responda a las expectativas sociales en un sujeto termina siendo el síntoma de un diagnóstico psiquiátrico o psicológico que legitima la “necesidad” de corregir a ese individuo en el ejercicio libre de su singularidad que radica fundamentalmente en el modo en que usa su cuerpo y acata o no las normas sociales establecidas. Ya no se lo encierra, ahora se lo diagnostica y se lo trata, se lo corrige. Prueba de esto es el apartado “Otros trastornos de la inclinación sexual” del CIE-10 que en su primer párrafo explicita: “Se incluyen aquí diferentes formas de inclinaciones sexuales y actividades consiguientes que son todas ellas relativamente poco frecuentes. Entre éstas están el hacer llamadas telefónicas obscenas, el frotarse contra otras personas para conseguir una estimulación sexual (...)”.

Múltiplos de cinco

2009-12-30T15:08:00.000-03:00

Me despierto una mañana, es tan tarde, tengo que estudiar. Trato de explicarle a mi marido y a sus denodados esfuerzos en ponerme vertical, que no es que me quedé retozando más de lo debido, que no se preocupe, estoy en control de la situación.

Verás, le aclaro, es que las horas venían siendo múltiplos de cinco, por lo tanto no había nada de malo en dormir un rato más, de hecho no estaba durmiendo, estaba realizando tareas perfectamente multiplexadas con otras; y calculando que las horas, las que marca el radio reloj despertador junto a la cama (que en realidad no es un radio despertador sino una especie de tablero visualizador de funciones) eran múltiplos de cinco, por lo tanto, entendés? Las horas…

De repente me escucho, la sarta de incoherencias que estoy balbuceando. Todo eso parecía perfectamente lógico hacía tan solo un minuto, un suspiro, una sombra en los ojos, un impulso eléctrico a otro lado, un milímetro detrás de la línea, del pequeño sobresalto que separa la vigilia de los sueños.

***

Pienso a la locura. Veamos, la locura. Para empezar uno hace lo que cualquier mortal realiza antes de cualquier tarea titánica u ordinaria de la vida: mira que tiene que decir Wikipedia al respecto.

Una explicación muy seria, a qué se llamó locura a lo largo de la historia, cómo se llegó a patrones más universales cuando la medicina fue avanzando. Asiento con la cabeza, es muy cierto, razonable, interesante, la nosología.

Pero entonces oigo por ahí, saliendo de la chillona tele del vecino, algo relacionado con el “loco” DiPalma. Ojeo al pasquín de turno con un titular que reza “La locura de los celulares”. En el noticiero, el periodista casi eufórico: “Loco al volante mata a tres personas”. La señora en el supermercado chino, arrebujándose en su mañanita con cara de circunstancia, dispara que el precio de los tomates es una locura. La vedette, risueña, confesando que ha hecho locuras por amor, mientras alguien comenta a sus espaldas, que “esta loca tiene más noches que la luna”…

Entonces repienso a la locura, que parece ser usada y abusada, que parece apoderarse de cualquier persona o evento que se salga de lo normal, lo “normal”. Ahí está la madre del borrego, y sospecho que ahí está la madre de todos los borregos. Todo siempre se reduce a lo mismo. ¿Qué es lo “normal” y qué no?.

Como planteó brillantemente un gran e ilustre loco, todo es relativo. Otro sabio demente rezaba que él estaba al derecho, dados vuelta estaban los otros.

Parece ser, entonces, que todo es cuestión del sistema de coordenadas donde estemos viajando. ¿Me muevo yo, arriba del colectivo, o es la calle que corre frenética?

Y puede haber muchos sistemas de coordenadas, tantos como almas en el mundo, aunque, claro está, algunos mucho más populosos que otros, lo que nos lleva a más de lo mismo.

Mayorías, minorías, humanos que no entienden y que están aterrorizados de otras realidades que no sean las propias.

Y puedo sentir la anticipada crispación del psiquiatra al que le lleguen estas palabras. Si, está bien, doc., hay una manera científica de determinar ciertas enfermedades y lo acepto.

Pero estas conclusiones ¿no son producto de estructuras que alguien armó, para poder comprender desde su pedacito de volumen en el universo, las cosas que veía y cómo las veía?

El bien, el mal, el qué dirán. La belleza de un reloj desangrándose en el desierto, la acuciante furia del proteccionismo que lleva a un genocidio, la urgencia de un enamorado que empeña su vida para comprar regalos, la inamovible decisión de viajar del que clava una y otra vez la jeringa. Las cirugías salvajes tras la belleza, la velocidad, quereme así, piantado. La pasmosa crueldad del que toma una vida, la compañera de colegio que grita canciones en los pasillos, la ceguera del que manda a pibitos a morir por causas perdidas, la sonrisa desdentada del olvido en un pabellón del Borda.

Y entonces pienso y repienso a la locura. Cómo hablar de algo que está en todos lados, y en ningún lugar. Como abordar lo inabordable sin sentir el reproche de estar descuidando un aspecto, un costado, una arista, un sucio y pequeño doblez.

No me resulta posible. ¿O acaso no estamos todos a un despertar de la locura? Porque todo parecía tan lógico hasta recién, verán, las horas… todas múltiplos de cinco.

O-A

2009-12-30T15:07:00.000-03:00

Si te digo te miento.

LOCURA

Si te explico no existís.

No es.

Se trata de eso: destripar corduras.

¡no tiene sentido, eso señor!

¡Claro que NO!

Si me decís te mentís.

Imagina:

zarpazo de hormonas aglomeradas en el centro de un abrelatas que esta en oferta a cuatro pesos con veinte mugrientos y milagrosos centavos obsesos por un poco de bolsillo con dulce de batata marrón caca de algún hincha rival cansado de fideos con manteca y teléfonos sonando.

Sentido...¿de que me estas hablando? Por favor!

Si me digo me miento.

Y de repente: no tiene que ser así para ser.

No hace falta ver a Wilson en una pelota para que hablemos de Locura.

No.

Hay algo que va más allá de tu comprensión, de la mía.

Y cuando vos la ves alejarse entre los nidos flotantes –color nubes- y al mismo instante florecen llaves del cemento como si fuesen churros con dulce de leche rebosados en arena caliente...y todo eso sabiendo que no estas de vacaciones, entonces es preocupante: porque NO estas de vacaciones. Sin embargo te masturba la idea de que esa preocupación sea tan excitante que te termine por dar el placer más grande que hayas chupado en toda tu vida-

Y en ese primer vistazo donde te quedas agarrado entre tres palabras, pensando que si buscas algo más allá: te esperará el vacío absurdo, la nada urgente secuestrando idiotas para su legión MEDIOCRIDAD. Entonces te prendes más fuerte a las palabras como salvación-rechazo a lo mundano, tu cerebro a punto de hacer una fiesta y vos con antibióticos. No quiero.

A lo lejos de tanta mezcla: guarda tanto “tanto”. Adentro del agujerito de la “o”, adentro del agujerito de la “a”.

Pasión humeante, que se pega y lame la piel de nuestra imaginación

con el ímpetu de una babosa a la que nadie entiende, que ella se deshace por ser más rápida y hasta a veces se siente la más veloz de su planeta.

No soy quién para dejarte sin mí.

Por eso: hago de tu ancla: alas, eternidad -germinación de poroto- atravesada con tu “o”, terminada con tu “a”- infinita.

Todos podemos ser quienes queramos ser, siempre y cuando se acabe un letargo y no haya gente reacia a la locura.

Intentos

2009-12-30T15:05:00.002-03:00

Busco las raíces en el fango atornillado.

Busco las venas en un cuerpo cuadriculado y dado vuelta.

Las uno como hilos de un tejido y las invito a viajar.

Las uno para que se amen y escapen juntas en un sueño insurrecto.

Si encuentro nudos que atrapan y encierran, con letras, palabras y silencio como pincel, tapiz y acuarela, intento pintar unas manos y luego dedos, que se muevan rápidamente desatando celda por celda.

Te liberan.

Volvés a ser libre, y automáticamente en ese mismo acto, me salvás, quizás sin darte cuenta.

Solo son intentos. Y al hacerlo me estrello una y otra vez contra muros moralistas e hipócritas que nunca dejan despegar.

Pero igual tomo carrera, pego el salto y, si no caigo, vuelo hacia cielos irreales, no celestes.

Ya no soy sólo voz y palabra. Soy cuerpo entero entregado en el aire, escupido sobre el lienzo, salpicando pintura indeseable en movimientos espasmódicos y placenteros.

Ya no soy sólo yo. Soy vos con partes mías. En un viaje siempre de búsqueda, necesario, persiguiendo el aroma de libres pensamientos.

Tras las huellas de algo que conmocione, que altere el orden para despistar fantasmas.

Por eso busco dibujarte una sonrisa onírica, fantástica, insólita.

Busco ser un cristal amorfo, en donde te reflejes todo deforme, indescifrable, para evitar que aquellos nudos te aten.

Busco pintar con palabras. Un humilde cuadro, monosilábico, siquiera.

Y no importa si es digno de premios, sino que nos dé aliento para seguir, que nos quite la opresión. Que permita que existas vos, para luego así, poder existir con ganas.

Busco forcejear contra la inercia, aunque ella sea más fuerte.

Busco.

No siempre encuentro.

El monte y sus mujeres, resistencia y valor.

2009-10-22T13:01:00.000-03:00

Imágenes color, de formato panorámico y planos abiertos, conforman la serie de fotografías que funciona como manifiesto contra el desmonte en el norte del país y como alabanza a aquellas mujeres que arriesgan su vida para defender su lugar en el mundo y el derecho a un ambiente sano. El fotógrafo Julio Pantoja explora con su cámara a estas pequeñas David rodeadas por su familia, por su hogar, por todas esas cosas por las que luchan diariamente y que los medios no registran. En otras imágenes, aparecen los restos que deja Goliat a su paso, bosques quemados, amplios desiertos, inundaciones y campos de soja donde antes existía diversidad vegetal, animal y humana.

El trabajo de Pantoja no solo es un producto estético sino un compromiso político e ideológico, como ya lo había manifestado en su obra previa Los Hijos, Tucumán veinte años después.

Así es que en medio de la pelea mediática Gobierno vs. Campo por la mayor tajada de las exportaciones de soja, este trabajo aporta una tercer mirada, expone testigos que nunca fueron convocados en la discusión pero que sufren en carne propia la vertiginosidad con la que los cultivos de soja transgénica han reemplazado a los clásicos de trigo y maíz. También revela la manera en que sus derechos han sido relegados en pos de la ambición desmedida de las grandes corporaciones agropecuarias que arrasan con todo lo que ocupe la tierra que necesita la soja para crecer.

El autor trabajó con dos géneros fotográficos y los unió en cada imagen, mezcla documental con ficción. Casi como un homenaje a Richard Avedon, fotografía a sus modelos neutralizadas por un fondo blanco, pero a diferencia de In The American West, Pantoja amplia el campo visual y toma con su cámara el derredor de esa tela blanca que contiene a las madres del monte y permite al espectador relacionar figura con fondo y fondo con figura. Conjuga los dos géneros creando un documental ficción, género muy visto últimamente en el cine pero nunca antes en fotografía. Pantoja es reconocido como fotodocumentalista pero en Las madres del monte da una vuelta de tuerca y produce un trabajo comprometido políticamente al que adorna con perlitas de colores. Posiciona a sus modelos indígenas y criollas como si estuvieran en un estudio, les imprime naturalidad y la comodidad típica del aquel está en su hogar, las subraya del entorno y las redignifica como superhéroes autóctonas.

http://www.juliopantoja.com.ar/

Mistral y Dana: niñas errantes

2009-10-22T12:53:00.003-03:00

“Tú no me conoces todavía bien, mi amor. Tú ignoras la profundidad de mi vínculo contigo. Dame tiempo, dámelo, para hacerte un poco feliz. Tenme paciencia, espera a ver y a oír lo que tú eres para mí", le escribió en abril de 1949 Gabriela Mistral.
"Yo me pongo en el viento y en la lluvia tierna, para que éstos, viento y lluvia, puedan abrazarte y besarte para mí", le responde Doris Dana por esa misma fecha.
Estos son fragmentos de cartas entre la poeta y su secretaria personal, que fueron donados al Estado chileno por Doris Atkinson, sobrina de Dana, cuando ésta murió en 2006.
El escritor Pedro Pablo Zegers, conservador de la Dirección Nacional de Biblioteca, se encargó de editar la correspondencia en un libro llamado “Niña errante”.
¿Amor lésbico o maternal? La discusión vuelve a abrirse, pero las cartas dicen, hablan solas, transpiran erotismo y sensualidad. Las cartas cierran.

La discusión sobre la sexualidad de Gabriela Mistral es algo añeja, pero el “descubrimiento” de este material inédito, desata nuevamente la controversia iniciada allá por el 2000. Ese mismo año, Doris Dana, aparece en una revista recalcando que “nunca tuvimos una relación”.
La pregunta que nos hacemos es inevitable ¿podrían, en aquella época, “salir del closet” -como se dice ahora-, cuando la mujer era vista como la ‘ama de casa’, casi asexuada? ¿Cuando la homosexualidad, y mucho más la femenina, era inaceptable y condenada? ¿Cuando el lesbianismo en Chile es altamente repudiado? –y cuánto más en la década del 50-.
Gabriela Mistral y Doris Dana se habían conocido en 1946, dos años más tarde iniciaron una relación epistolar gracias a la colaboración de la poeta en un libro sobre Thomas Mann que Dana ayudó a editar. Doris Dana se convirtió así en secretaria, amiga, albacea y heredera de la autora.
La norteamericana acompañó a la poeta en los últimos diez años de su vida, y no sólo se transformó en la protectora de su obra, sino también de sus secretos. Quizás, solo Dana sabía que aquel verso del poema “Vergüenza” (“Si tu me miras, yo me vuelvo hermosa… /… yo callaré para que no conozcan mi dicha los que pasan por el llano”), era para ella.

La lesbofobia que existe en Chile no pone paréntesis, hablar de la sexualidad de la Premio Nóbel simplemente no encaja. Gabriela Mistral, físicamente, no cumplía con el estereotipo femenino, nunca se casó, y la mayor parte de su entorno era femenino.
En 2001, Francisco Casas anunciaba el proyecto de una película sobre Gabriela Mistral, “La pasajera”, que presentaría a la poeta como lesbiana. Lógicamente, los mistralinos chilenos reaccionaron en masa y pusieron el grito en el séptimo cielo. Volodia Teitelboim, autor de “Gabriela Mistral pública y secreta”, aseguraba que no había pruebas de ello. El alcalde de Vicuña se oponía tajantemente a que en su comuna se filmara una película "que dice que Gabriela Mistral se junta ba con homosexuales". Y Jaime Quezada, director de la Fundación Mistral, negaba también y le restaba autoridad a Casas. Como si la sexualidad de un autor deteriorara o enalteciera su obra.

Muchos de quienes custodian el legado de la poeta, hablan sencillamente de una relación de madre e hija, y apuntan a que estas cartas están siendo desvirtuadas por faranduleros que sólo leen entre líneas. Pero el argumento va a dar contra la pared cuando se escuchan las cintas que Doris Dana grabó, primero en un sistema antiguo de cable y después en cintas magnetofónicas (que acaban de ser digitalizadas), y se oye a Dana decir “De cómo nos hemos juntado, hoy hace siete años, octubre 1, 1948, es lindo, no?” y la poeta responde: “Lindo... Hay que cuidar esto Doris, es una cosa delicada el amor”.
La hipótesis de un amor filial puede ser aceptada en una sociedad represiva como la chilena, y muchos críticos hablan que ese amor es llevado a tal punto de erotización en las cartas, que bien se podría hablar de incesto. Demasiado complicado para decir sencillamente que es amor. Silencio por un lado, y por otro, demasiadas palabras por parte de quienes ostentan las letras en Chile, quienes, con una lógica viril, aseguran que la relación era solo maternal.
Como mujer pública, Gabriela Mistral transitó dos caminos en una misma ruta, uno que favoreció su reconocimiento publico como poeta, y otro, donde no permitió que se entrometieran en su privacidad para que no pudieran criticarla.
No caben dudas de que las recientes cartas publicadas, son cartas de amor. Negarlo solo nos da dos opciones: o no sabemos leer, o no queremos escuchar.

Tapa y Contratapa

2009-10-02T16:18:00.000-03:00

Por Julián Crigna

Por Leo Iba

Editorial Nº 3

2009-10-02T16:09:00.005-03:00

PostaData fue pensada para sentir las letras entre las manos, para oler ideas, para ser llevada al rincón más recóndito y leerla con el viento pegando en la cara o con el sol entibiando la piel. Entonces, ¿cuál es el camino a recorrer cuando una revista que se pensó en papel cambia de formato y se vuelve digital, virtual, intangible? No hay respuesta sencilla.

El recorrido que transitamos en los dos números previos nos sirvió para comprender que una modesta tirada de ejemplares era insuficiente para llegar a todos aquellos puntos desde donde nos visitaron en el blog, y por ello con este formato digital deseamos generar ideas en aquellos lugares donde ansían recibirlas y debatirlas.

Cierto también es que editar en papel tiene costos y limitaciones, y creemos que la digitalización nos ayudará a saltearlas. Con este renacimiento multimedia ampliamos los límites del papel y así es como agregamos videos, convocamos artistas, invitamos a debatir en el foro, mantenernos actualizados entre número y número y fundamentalmente, seguir escribiendo, opinando y señalando con la pluma allí donde pocos quieren ver. Y para aquellos que gustan de sentir las palabras entre los dedos, seguiremos produciendo PostaData para descargar e imprimir.

En todos los momentos de la vida tenemos algo para aprender y como seres inteligentes y sociales es que nos educan. La educación es un fenómeno social, mediante el cual nos corrigen, nos limitan, borran nuestra impronta más animal; pero también nos abre al mundo, nos da palabras para defendernos, para reclamar, nos permite valorarnos y comenzar a elegir lo que aprender. Es así que como herramienta social limita y engrandece. Engrandece cuando nos enseñan a pensar pero limita cuando nos enseñan qué pensar. Engrandece cuando nos educan con libertad y limita cuando no nos permiten discutir cómo educar.

La Educación es un derecho de todos los individuos y son los Estados quienes tienen el deber de brindar la oportunidad a todas las personas a recibir una correcta y auténtica formación; es decir, ofrecer las mejores condiciones físicas y sociales para que esto sea posible. No es fácil educar con frío, como no es fácil aprender con hambre. Entonces cuando las condiciones son limitadas, la educación es limitante; cuando solo algunos reciben enseñanza adecuada es que el Estado superpone el derecho de algunos por sobre el de unos cuantos, y así las brechas sociales cada vez son mayores y los márgenes se estrechan más, permitiendo que el poder de decisión sea empuñado solo por la manos de los “bien educados”.

Este tercer número procura aportar algo nuevo sobre educación y como creemos que la única manera de aprender es hablando y escuchando, les proponemos que nos escuchen y nos contesten; que con seguridad este ida y vuelta colaborará a un nuevo saber.

Historia de una persona a la que el día no le alcanza

2009-09-25T15:34:00.001-03:00

Suena el despertador a las seis de la mañana. Me levanto y mientras preparo el desayuno certifico la dirección marcada en el diario de ayer. Pienso: me tomo el bondi, luego el subte, y ya está, en una hora estoy ahí. Tendría que llegar puntual a la entrevista, parece ser una buena oportunidad.

Ya se hicieron las siete. Me cambio en un santiamén y decido partir. No he terminado de bajar las escaleras cuando oigo que comienza a sonar el teléfono. Apuro el paso y regreso a casa. Levanto el tubo y del otro lado: mamá, que por favor vaya enseguida a lo de la abuela que se descompuso, y que ninguno de mis hermanos está disponible. Lo mismo de siempre. Le digo que no puedo, que tengo una entrevista para un laburo y no puedo faltar. Me pide por favor que vaya, que está retrasada y me vuelve a repetir que mis hermanos no están, para hacerme sentir mal obviamente, logrando su cometido. Mamá suele tener la mala costumbre de siempre salirse con las suyas. A las puteadas salgo rápido para lo de la abuela, olvidándome del recorrido planeado anteriormente.

A las 8:30 llego a lo de mi abuela. Me cuenta que se siente un poco mareada pero que no es nada grave. Seguramente le cayó algo mal de lo que comió la noche anterior. Le digo que no se preocupe y mientras la recuesto en su mecedora y le alcanzo un vaso de agua, me suena el celular. Pedro, compañero de Semiótica, me avisa que el profe está justo en éste mismo momento firmando libretas y se queda en la facu una hora más solamente. Tendría que ir para allá urgente, es mi última oportunidad de engancharlo. Me aseguro que mi abuela esté bien y le digo que me tengo que ir, que se quede tranquila, que ya debe estar por caer mamá. Mucho no le gustó mi actitud, pero no tenía otra alternativa.

Cúanto darías por La Razón

2009-09-25T15:33:00.002-03:00

Se los empieza a ver antes de las siete de la tarde, mezclados entre los miles que van y vienen por la terminal Retiro. Deben tener menos de 15 o 16 años, pero sus caras revelan que fueron criados por la calle, que crecieron de golpe. La multitud se mueve en forma de bloque, si se la pudiera ver desde arriba recordaría a una mancha de petróleo sobre el mar. Y ellos están en medio de esa mancha, con un puñado de ejemplares de La Razón dormidos sobre el antebrazo izquierdo, entre los que se desesperan por un lugar en el subte Línea C o en alguna de las tres líneas de trenes. Simulan que no los ven, pero ellos saben llamar la atención a los gritos: “¡La Razón a voluntad!”

Todas las voluntades son distintas, pero hacia la noche estos chicos habrán juntado suficiente voluntad para sobrevivir y para regresar a la tarde siguiente con una nueva edición del diario, que en realidad se distribuye gratuitamente desde 1994 en los principales núcleos del transporte metropolitano, entre las cuatro y las seis de la tarde. Según un informe preparado en 2006 por la central de medios Brand Conection, La Razón es el único diario de Buenos Aires que tiene más lectores que cantidad de ejemplares editados. Se estima que cada uno es leído en promedio por dos o tres personas. Quizá por pura intuición, los repartidores de La Razón a voluntad encontraron en este fenómeno una oportunidad comercial. La fórmula parece simple: la tirada diaria es inyectada en trenes y subtes, y cada ejemplar es entregado en forma gratuita a un lector. Pero muy pocos lectores se lo llevan, muchos terminan en el tacho de basura de alguna estación o simplemente son abandonados. Una picardía, si se piensa que aún quedan varias horas pico de pasajeros, es decir, de potenciales lectores.

Así hablaba Kafka

2009-09-25T15:32:00.004-03:00

“Andá con cuidado”, me habían dicho, “si no contesta, no lo apures, va a estar absolutamente metido en su mundo”. Y tenían razón.

Había preparado algunas preguntas de manera muy meticulosa, cuidando bien las palabras para tratar de que con cada pregunta él pudiera explayarse y yo no tuviera necesidad de repreguntar o idear otros cuestionamientos. A decir verdad, me asustaba la idea de estar frente Kafka. Me habían dicho que era muy silencioso, que probablemente me contestara con monosílabos y que seguramente se mostraría indiferente a mi presencia.

Entré a su estudio, él estaba de espaldas a la puerta, mirando por una pequeña ventana como la lluvia mojaba los árboles en ese atardecer en Praga. Dije ‘permiso’, y se dio vueltas con una serenidad que estremecía, propia de un tipo llamada Samsa.

Su escritorio estaba bastante revuelto, cantidad de papeles esparcidos, una pila de libros señalados que aparentaban no haberse terminado de leer, y un increíble polvillo que se esparcía por todo el territorio kafkiano.

Caminé los seis pasos que me separaban de él, le estreché la mano flaca y con una sonrisa disimulada y un dudoso alemán me dijo ‘estás mojada’ (interiormente agradecí ese gesto y casi sentí que pude relajarme). Era pequeño, flaco -flaquísimo-, y a decir verdad, poco atractivo. Tenía puesto un traje marrón, algo arrugado pero limpio, una barba de tres o cuatro días y el rostro horrorosamente consumido, cuando lo miré a los ojos reconocí una tristeza y una concentración que ciertamente me dejaron paralizada. Por un momento pensé en ofrecerle un cigarrillo, pero pronto deseché la posibilidad. Él me miró fijo a los ojos, con una mirada oscura y tan penetrante que creí intuía lo que yo estaba pensando, me invitó a sentarme.

Aguafuertes

2009-09-25T15:32:00.003-03:00

“De la cama al living sientes el encierro”. Estoy casi convencida que Charly García escribió esta canción luego de haber experimentado algún día de muchísimo aburrimiento (porque sin ánimo de ofender, pienso que debe haber experimentado algo más que drogas en su vida este hombre). ¡Qué sensación más espantosa que es estar aburrido! ¡Qué sentimiento más parecido a la infelicidad! Todos los que leen esto deben estar pensando qué estupidez que estoy diciendo, y lo que es peor, qué estupidez tan grande me mortifica. Pero en algún punto si se ponen a pensar en esto un segundo no es algo tan insignificante.

Uno se cansa de leer y de escuchar acerca del amor, del desamor, acerca del dolor, de la felicidad. Pero pocas veces ronda el tema del aburrimiento en reflexiones profundas o baratas (como esta) pero sin embargo, es una sensación, un sentimiento tan cotidiano como el resto de los tan trillados siempre. Hablemos alguna vez del aburrimiento. Cuando se esta aburrido uno pasa por diferentes estadíos que casi siempre persiguen este orden:

A) uno empieza a buscar qué hacer… y re piensa… porque algo se debe poder hacer aunque en ese momento nada parece surgir.

B) Se llama a todos sus contactos con la ilusión (porque es esa la palabra) que alguien cercano esté pasando por el mismo momento que uno. Frente a la negativa. (Aquí podría aparecer un ítem más en la famosa ley de Murphy que siempre funciona “nunca nadie allegado a ti comparte el aburrimiento contigo en el mismo tiempo y espacio”) pasas al estadio…

C) vuelves a tu PC y chequeas por vigésimo quinta vez en el rango de 15 minutos tu correo electrónico, facebook, blog, blag, http, miras fotos viejas, miras el facebook, blog, blag y http de cualquier amigo tuyo. Y te das cuenta recién ahí que tenés que hacer algo de tu vida porque todo el mundo pareciera tener una vida mas divertida que la tuya, te deprimes un poco mas, entonces…

D) Prendés el televisor esperando encontrar un estreno o algo que todavía no hayas visto y que te entretenga un rato aunque sea hasta ver qué podés hacer

E) Apagás el televisor

F) Abrís la heladera porque crees tener hambre de nuevo aunque hayas comido hace algo menos de una hora. Los chocolates suelen apalear unos instantes el aburrimiento, porque además de comerlos uno puede leer en ingles, en portugués y en castellano todo lo que contiene el alimento ingerido, de dónde proviene y conocer también el 0800 al que se puede llamar para hacer algún reclamo algún otro día de aburrimiento

Versos en el margen

2009-09-25T15:31:00.002-03:00

SOLO MAESTRO

A Carlos Fuentealba.

¿Quién va a matarme

si sólo soy un docente?

¿Quién va a matarme

si uso sólo guardapolvo?

¿Quién va a matarme

si sólo soy un padre?

¿Quién va a matarme

si educo a la esperanza?

¿Quién va a matarme

si sólo soy un obrero?

¡Quién mierda va a matarme!

Aylén Catania

El criminal se cobró otra víctima

El asesino de trabajadores

Se llevó un maestro

El judas se llevó a Carlos

En un viernes santo cargado de sangre

La sangre de todos los cristos,

Estudiantes, maestros y obreros.

Carlos era un tipo peligroso

No usaba armas

No era violento

El trabajo era su trinchera

Los estudiantes sus compañeros de lucha

Y eso lo hacía enemigo de la muerte

El enemigo más peligroso.

Lisandro Romero

Carlos Fuentealba. Maestro. 43 años. Asesinado.

Luego de cinco horas en terapia intensiva se decidió retirarle el respirador artificial cuando se le declaró «muerte cerebral». La bala fue recibida por Fuentealba de manos de la policía provincial en la ruta 22 en Neuquén. Se retiraba de una marcha de docentes en la que el reclamo dejó de ser la nota. Iba dentro de un auto cuando la bala de gas lacrimógeno, rompió el vidrio del Fiat 147 en el que viajaba, y le dio en su cabeza. Una vida vale lo mismo que buscar un poco de dignidad.

Todos conocemos la historia. O al menos todos deberíamos conocerla.

Tanto Aylen como Lisandro la conocieron, y no sólo la conocieron, sino que la sintieron, y en algún lugar de su cuerpo, seguramente la padecieron. O al menos eso muestran sus letras, su regalo para él, para Carlos.

Aylen tiene sólo 12 años, y escribió esta poesía el mismo día del asesinato. Pertenece a un taller literario llamado ALMA, ubicado muy lejos de donde Carlos fue asesinado, en Del Viso, Prov. de Buenos Aires. A Lisandro lo encontré en una página de Internet compartiendo sus letras.

No importa quién, no importa dónde, todos debemos recordar, pero por sobre todo, nadie debe ser asesinado con tanta impunidad.

La poesía en ascuas. Siempre urgente y presente. Haciéndonos erizar la piel.

Cómo no sentir como ellos sintieron. Si su presencia nos conmina a reflejarnos, a ponernos por un segundo en el lugar del otro. A sentir que nuestra nuca fue la que recibió esa bala. A entender que todos somos maestros, que todos somos hombres, y que en algún momento del día, aunque más no sean cinco minutos, todos somos Carlos.

Nuestros derechos exigidos, reclamados, puestos en poesía.

La extraña razón de mi vida

2009-09-25T15:30:00.003-03:00

A lo largo de su existencia los diferentes gobiernos han “invertido” mucho tiempo -y dinero- para idear un método de coerción y coacción que no resulte tan obvio a los ojos de la gente, un método que logre instaurar en el inconciente colectivo la ideología de turno y que, de cierta forma, legitime un poco mas su poder sobre el pueblo. Se ha utilizado durante este arduo camino de búsqueda de un cáliz sagrado -llamado poder- innumerables técnicas y mecanismos, desde pomposas y extravagantes campañas políticas hasta las más inimaginables promesas de dólares y felicidad. Pero sin duda alguna, la técnica que mejor ha funcionado cuenta con actores tan sigilosos que resultan casi imperceptibles y, lógicamente, mucho mas efectivos.

Desde siempre el ser humano ha sentido la necesidad de vivir en sociedad, de crear organismos que regularicen su conducta y faciliten dicha vida social.

Con el paso del tiempo y la evolución de las ciudades el estado se fortaleció y comenzó a ocupar el lugar perteneciente a la religión, relegando a la Iglesia -que fue la primera institución de la historia en actuar como si fuese un estado- coordinando la vida en sociedad, sancionando leyes, encargándose de la economía y sobre todo, educando a un segundo plano, tomando de ella los tan efectivos métodos de dominación que la hicieron ama y señora de gran parte del mundo durante largos siglos y dándole lugar así a los Aparatos Ideológicos del Estado. En palabras de Louis Althusser, uno de los principales exponentes de la teoría, los AIE son un serie de instrumentos que siguen una línea que representa a éste, utilizando para ello diferentes instituciones reproductoras de la ideología oficial, la religión, la política, la familia, lo jurídico, entre otras, y de las cuales se destaca la educación, por tratarse de una formula masiva, progresiva y por ser, además, aquella que trabaja con los seres mas vulnerables con los que nos podemos encontrar: los que carecen de conocimiento.

Nosotros los "vagos"... PARAMOS TODOS, PARAS TU, PARA EL, PARO YO!

2009-09-25T15:28:00.001-03:00

Y la gente se molesta con esto de que los docentes paran, y comentan por ahí:

¿Qué quieren? ¿Cuánto quieren ganar?

¿Qué pretenden, acaso los demás ganamos sueldos cuantiosos?

¿Acaso los jubilados cobran todo en blanco?

¿Acaso los médicos trabajan en condiciones dignas?

¿Acaso nuestros hijos tienen el derecho de recibir una educación gratuita en este país donde todo está dado vuelta?

¡¿Acaso nosotros los ciudadanos tenemos el derecho de tener un pueblo inteligente y con oportunidades?! ¿Acaso, acaso, acaso...??? éstas son las preguntas que siempre quedan sin responder, es por esto que me pareció muy enriquecedor utilizar este espacio para informar sobre “algunas cosillas” que suceden y que no terminan de aclararse.

Tristemente, por otra vía aparece un representante de la ciudad diciendo, “¡Esos vagos que se vayan a trabajar!”, qué bárbaro! Vagos pasó a ser un sinónimo de docentes.

Pronunciado en labios de la oligarquía más extrema y la hipocresía más devastadora, suena como una amenaza a la integridad de las personas que componen esta sociedad (ya que el docente es y será el máximo exponente del trabajo), mal que le pese a muchos.

¿Qué entendemos por educación?

Para qué necesitamos que un pueblo sea educado.

En las mentes inteligentes de nuestros antepasados más gloriosos, surgía la idea, que la sociedad debía acceder a una educación sin límites, amplia y gratuita para que todos dispusieran de herramientas que les proporcionaran la formación de ideales de libertad, lucha y trabajo, para gozar de una vida con calidad.

Con el transcurso del tiempo esto fue cambiando y surgieron intereses de las grandes empresas globalizadoras del saber.

La educación como tantas otras cuestiones fue el último motivo para incluir en sus planes, privilegiando el manejo de grandes capitales sobre grandes ideas, así es que los planes de educación se fueron poniendo al servicio de unos pocos y descartando cada vez más a unos cuantos.

Bajo la sombra de algunos discursos solapados como “vamos a otorgar becas de comedores para que los chicos mas necesitados puedan tener un plato de comida caliente y saludable todos los días”, en vez de decir “vamos a generar mas puestos de trabajo para que los mas necesitados puedan llevar a sus casas el alimento diario” siempre se elige el mal menor, y nos vamos conformando y hasta creyendo que la idea de los comedores escolares tal como están funcionando es la mejor, pero ¿quién controla la calidad de esos alimentos? ¿Quién selecciona al personal que debe verificar la comida de nuestros pibes?

Hacia una educación liberadora

2009-09-25T15:27:00.001-03:00

Cuando falleció su esposa, Elza, Paulo Freire la lloró en público, en actos y conferencias donde él era el homenajeado. Más tarde, cuando se enamoró de Nita y volvió a casarse, compartió su alegría y su amor con quienes lo oían, relatando experiencias de su nuevo matrimonio (dicen que muchas veces hizo ruborizar al público, sobre todo en Estados Unidos, donde se espera que un intelectual presente un discurso objetivo y despersonalizado). Pero la despersonalización era imposible con él, todos sus discursos, libros y trabajos estaban teñidos por sus sentimientos.

Freire sabía que contar anécdotas e historias suponía un método eficaz cuando las teorías elaboradas fracasaban, y así creaba un vínculo entre orador y público, generando una mínima complicidad para fortalecer ese lazo; porque son en las historias, en el reconocimiento con el otro, donde los vínculos se fortalecen. Esa era la pedagogía del amor que el brasileño Paulo Freire difundía e intentaba expandir.

I Paulo Freire fue un pedagogo brasileño, nacido en las puertas de la década del 20. Conoció la pobreza y el hambre durante la crisis de 1929, experiencia que formaría sus preocupaciones por los excluidos y le ayudaría a construir su perspectiva educativa.

Para poder comprender lo que significa Freire y lo que propone como educación, quizás sea fundamental conocer el contexto que ha vivido, ya que es a partir de él que surgen sus propuestas. No voy a extenderme realizando una biografía de Freire, pero sí decir que su obra contiene las nuevas y revolucionarias ideas que surgen en la América Latina en los años ‘60.

Sus primeros trabajos tienen que ver con la educación de las poblaciones pobres de su país. Freire contempla los traumas y dificultades por los que atraviesa la gran mayoría de los hombres camp

esinos del norte de Brasil, producto de una educación alienante que lleva al pueblo a vivir su condición de miseria y explotación con una gran pasividad y silencio. Ante esta realidad, Freire plantea que el hombre debe ser partícipe de la transformación del mundo por medio de una nueva educación que le ayude a ser crítico y lo lleve a vivir sus experiencias como algo completo de valor.

Muéstrame como hablas y te diré quien eres

2009-09-25T15:26:00.001-03:00

En historia de Cronopios y de Famas, Cortazar nos mostró magistralmente que cuando subimos una escalera hay una cantidad de operaciones que realizamos casi maquinalmente, sin pensarlo. Subir una escalera está en el orden de las cosas, no lo cuestionamos demasiado y le prestamos poca atención. En las cosas sociales pasa algo similar, la educación, los medios de comunicación, la economía y la política, por mencionar algunos ejemplos, muchas veces las pensamos con la familiaridad y la osadía con que subimos una escalera. Cuando hablamos son pocas las veces que prestamos atención a las palabras que usamos. Sin embargo, el lenguaje y las formas del habla son objetos sociales, tienen una historia. La cultura se esconde y se asoma sin que lo percibamos cada vez que nos comunicamos. Hablamos con palabras, pensamos con palabras, conocemos el mundo con las palabras que lo nombran, insultamos con palabras, amamos con palabras, cuando morimos dejamos nuestras últimas palabras. El significado y el peso de las palabras nos trasciende, detrás del lenguaje hay sistemas de ideas; en última instancia, en el fondo de las palabras está la cultura de un pueblo, una Nación o un grupo. No está demás decir que en la interacción cotidiana el habla nos ubica en un espacio más extenso y complejo que el que nuestros ojos pueden escrutar de una mirada. Las formas que adquiere el habla nos sirven para identificarnos con nuestro grupo y clasificar a los “otros”. La identidad se juega también en el lenguaje. Muchas veces impugnamos a las personas por las maneras en que hablan o callan, podemos ser categóricos e impiadosos con los “otros”.

Apuntes sobre la línea de fuego

2009-09-25T15:25:00.001-03:00

Entre los muros es más que un registro fílmico de un recortado escenario de crisis socio- educacional acotado a cierto sitio de la Francia actual. Entre los muros suena y se ve a experimentación, a prueba de laboratorio en un espacio transgenérico, entre documental y ficción, sobre la huella de un guión surgido d
e la propia experiencia vivida por quien ejecuta uno de los roles protagónicos en el filme. Se trata de François Bégaudeau, que interpreta al profesor de lengua francesa, uno de quienes apuestan a experimentar encerrado entre los muros de un aula. Sitio espacial y discursivo claustrofóbico, demasiado pequeño para tan expansivo choque de subjetividades. Las tomas transcurren en interiores de escuela ensamblados en largas secuencias de cuadros comprimidos, en planos medios, y ping pong de primeros planos. El movimiento fílmico hace foco en las partes del cuerpo más móviles y activas en un escenario áulico, los rostros y torsos de alumnos detrás de los bancos. Roces y enfrentamientos entre las tantas etnias que configuran el amplio y difícilmente conciliable conglomerado poblacional de algún suburbio parisino. Encuentros entre las diferenciales cosmovisiones, de quienes detentan el poder que otorga el saber disputado en las aulas, y quienes, del otro lado del muro, de ese más numeroso de la clase, se resisten a creer que indefectiblemente ese saber es poder.

Pero además no se trata tan sólo de subjetividades y posicionamientos generacionales y de poder en pugna, sino de una mirada, traducida en un enunciador cinematográfico que en ningún momento toma parte en las pequeñas grandes luchas en la arena realista-ficcional. Un ojo objetivo se limita a moverse con los nerviosos movimientos y sonidos propios del convulsionado ambiente de un aula, sin ninguna música incidental, sólo los ritmos de roces en constante estado de ebullición. Un profesor busca en contrapartida que la atención en los temas de la lengua, en sus formas y gramáticas ortodoxas no decaigan. Aplicaciones teóricas anquilosadas ante un colectivo de alumnos que no encuentra razones para conocer las diferencias entre el pretérito imperfecto del indicativo y el del subjuntivo, cuando ya ni sus abuelas usan éste último extraño modo verbal para comunicarse. Los chicos no parecen interesados en cuestionarse algún futuro conjugando el “si yo supiera”, porque para ellos se desdibuja la segunda parte que completaría la proposición, el lugar de un potencial desarrollo tras la conquista del saber.

Etiquetas autoadhesivas

2009-09-25T15:24:00.003-03:00

Quisiera diferenciar entre la educación formal y la no formal, que es la que analizaremos a continuación. Esta consiste en el conjunto de cosas que nos enseñan a lo largo de nuestra vida aquellas personas que nos rodean. Al nacer, nos insertamos en un núcleo familiar, en una micro sociedad, ya conformada con reglas, leyes, premios y castigos. Nos van enseñan qué cosas hacer, cuáles no, las consecuencias de no hacer lo correcto, los beneficios de sí hacerlo. En términos psicológicos, diríamos que la educación es lo que formará nuestro “Súper Yo”, que no es otra cosa que aquella parte de nuestro inconsciente que nos permite distinguir entre lo que esta bien y lo que está mal, nos indica las reglas a seguir, es nuestra moral y puja permanentemente con nuestro “Ello”, quien intenta satisfacer nuestros deseos independientemente de toda moral o regla.

Podríamos decir entonces que mediante la educación no formal se imprimen las “etiquetas” que debemos llevar en nuestra frente: “soy loca”,”soy vago”,”soy rara”,”soy inútil”, etc. Rótulos que también son aprendidos, y que nos acompañaran el resto de nuestra vida casi sin saber que allí están. Solemos asimilar estos “soy” generando una falsa auto imagen en muchos casos, y olvidándonos que lo único que realmente “somos” es “Ser personas”, el resto de las etiquetas corresponden a estados, “estoy vago”,”estoy indeciso”, “estoy triste”; lo cuál nos da más posibilidades de cambio.

El emblema mediático de la lucha docente

2009-09-25T15:22:00.001-03:00

Surgida en la época Neoliberal Menemista, la repercusión de una trinchera de resistencia germinó en el contexto de demonización extrema del Estado y, por ende, el énfasis de la educación privada como salvadora de los males de la sociedad. Se trata del símbolo más contundente de las luchas docentes que se materializó con la “Carpa Blanca”.

El reflejo más estigmatizante que la televisión, la radio y la gráfica proporcionaron fue la ayuna docente que puso al descubierto, y ante los ojos de la sociedad, el entumecimiento de la educación. Significó el clamor respecto de la verdadera gravedad de la crisis de empobrecimiento, fragmentación y desigualdad en la que se estaba sumiendo a los educadores y a la escuela pública argentina. Como contrapartida, la década menemista celebraba sus últimos años a pura fiesta.

Cómo despertar la lucidez

2009-09-25T15:18:00.002-03:00

1 “Me preocupa que tengan siempre presente que enseñar quiere decir mostrar. Mostrar no es adoctrinar, es dar información pero dando también, enseñando también, el método para entender, analizar, razonar y cuestionar esa información. Hay una misión o un mandato que quiero que cumplan. Es una misión que nadie les ha encomendado, pero que yo espero de ustedes, como maestros, se la impongan a sí mismos: despierten en sus alumnos el dolor de la lucidez. Sin piedad. Sin límites”.

Las palabras pertenecen a Fernando Robles, un profesor de pedagogía ficticio que interpreta Federico Luppi en la película “Lugares comunes”.

Sabias palabras las del guionista, lindas palabras para poner en boca de un profesor que apela e interpreta a la educación como una herramienta de critica, y no como una mera acción de transmisión de conocimientos.

La pregunta es intrépida y maleducada ¿cómo pretender enseñar a razonar en las escuelas argentinas de este comienzo de siglo? ¿es posible pensar con las panzas cuasi vacías? ¿es posible la enseñanza del razonar con docentes que corren para llegar de un colegio a otro? (por si hay que aclarar: con un solo cargo no alcanza).

Las preguntas pueden ser miles, las respuestas también, pero la realidad es una, es tangible, y es incomoda.

Posta Data Nº2

2009-03-09T22:02:00.005-02:00

Editorial Nº2

2009-03-09T21:57:00.003-02:00

De ausencias e intentos

Podrán decir que no parecemos. Que a veces solo giramos en círculos.

Podrán decir de nosotros mucho. Quizás no puedan decir casi nada. Pero nunca podrán decir que no intentamos. Que no nos tiramos al agua. Que nunca desafiamos al vacío, o que nunca gritamos hasta quedarnos sin voz.

Por eso hoy, con esta garganta cansada, con estos ojos rosados y con estas manos listas, les presentamos el número 2 de PostaData. Esa que muestra un poco quien somos, esa que nos hizo volver a intentarlo, esa que sumó gente con nuestras mismas ganas, esa que va a intentar que ustedes puedan decir siempre algo más, al menos, sobre nosotros.

Nosotros intentamos, creemos poder hacer algo desde este pequeño lugar.

Seguimos, todos los meses, moviendo fichas, y haciendo magia para llegar a fin de mes.

Desde hace 30 años hay treinta mil menos. Treinta mil que ya no están por intentar. Treinta mil que de la mejor o peor forma siguieron a su corazón. Treinta mil que querían cambiar algo. Que hicieron que una generación como la nuestra naciera en los últimos años de la dictadura, pero que hoy podamos escribir estas palabras.

Treinta mil que mostraron hasta dónde puede llegar el odio, la perversidad, y la violencia gustosa del hombre.

En el mes que conmemora exactamente 33 años del golpe militar, no quisimos hacer un número entero de la revista sobre ello, porque justo en este mes la información es mucha.

Sin embargo, tampoco queríamos dejar de recordarlos. De que se sepa que tampoco olvidamos y tampoco perdonamos. Un Estado terrorista es, como dijo Chávez «un gobierno que viola todas las disposiciones habidas y por haber de manera descarada». Un Estado terrorista es el que utiliza métodos ilegítimos para inducir el miedo en una población civil determinada para alcanzar sus objetivos sociales. Un Estado terrorista es un estado que olvida la ternura y nos carga para siempre las venas con rencor. Es el mismo que nos sacó a esos treinta mil.

Un Estado terrorista es un Estado criminal. Ayer. Hoy y Siempre.

Las formas de la fealdad

2009-03-09T21:54:00.003-02:00

Por Leandro Ibáñez

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

El par estético bello/feo es subjetivo, pero sin embargo existen factores culturales que son aceptados masivamente y que determinan que aquellos elementos feos no deben ser expuestos ni mostrados sin que medie una necesidad casi urgente, y con una finalidad muy especifica.
Luego de algunas meditaciones, encontré cuatro factores o elementos que son propios de aquello que se denomina “feo”. Con esto quiero decir que si algún ser humano posee alguna de las características que a continuación detallaré, es socialmente aceptado como una forma fea, desprovista de belleza, que causa desagrado y tiene aspecto malo. El primero de los factores es el hecho de no poseer una forma acorde con las proporciones “divinas”, o que la forma cause desequilibrios perceptúales en quien mira. Los tres factores restantes son características únicas y naturales de los seres vivos, los cuales están intrínsicamente relacionados y de los que ningún ser vivo puede escapar. Estos son la Enfermedad, la Vejez y la Muerte. Estas últimas se evidencian en el cuerpo y dejan registros de su presencia, nos enfrentan a la verdad mas terrible para todo ser viviente y conciente, la verdad de ser mortales y todo lo que esto significa.
Estas características feas son una construcción social, cultural y obviamente histórica; y se las estigmatiza indebidamente.

La forma propia de los cuerpos
Los sentidos nos comunican con el mundo que nos rodea y a partir de ellos nuestro cerebro percibe las cosas tal cual son. Si bien mediante el oído, el olfato, el gusto y el tacto podemos caracterizar las cosas como bellas o feas, aquí profundizaré sobre la información que llega al cerebro mediante la vista. El cerebro humano busca incontrolablemente y de manera permanente, reponerse al caos que lo rodea, haciendo foco en aquellas formas en las que encuentra armonía. A su vez esta armonía la encuentra en figuras simples y sencillas que puede comprender ni bien observa. En cambio escapa a figuras complicadas y caóticas que le exigen un mayor trabajo intelectual para llegar a comprenderlas o definirlas. Si bien las formas simples y sencillas nos ofrecen paz, nos cansamos mas rápidamente de ellas y necesitamos otras formas mas complejas para mantener nuestra atención por más tiempo y así hacer trabajar nuestro raciocinio, raciocinio que nos permite diferenciarnos como seres inteligentes.

Los factores que alteran la forma propia de los cuerpos
Otro grupo de fenómenos que me arriesgo a denominar condenados, son la Enfermedad, la Vejez y la Muerte. Utilizo la palabra condenados para designar a un grupo de elementos a los que se les ha negado dignidad y se los ha desechado del campo visual del arte y la cultura, elementos que han sido atomizados y escondidos detrás del espejo que refleja la realidad.
La Enfermedad no es fotogénica, y por lo tanto no se la retrata o muestra. Y en los pocos casos que si lo es, está maquillada y es ejemplo de lo indebido. La Enfermedad le duele a los sanos, ver el retrato de una persona enferma nos enfrenta al miedo de ser nosotros los que podamos estar de aquel lado. No queremos cruzar la valla, deseamos que nuestros futuros retratos nos muestren felices, sonrientes y sanos, como un reflejo de todos los años que nos quedan por vivir. Negamos la imagen de los enfermos porque tenemos la certeza que algún día seremos como ellos, negamos nuestra naturaleza.
Pero si usted ha tenido una juventud saludable, llegará a ser viejo y los cuerpos viejos enferman. Entonces permanezca joven y sano. Ocultemos también a los viejos, no los mostremos ni los retratemos. Y en caso de tener que hacerlo, que sonrían para la foto, que podamos verlos felices y con muchos años por delante. Ocultemos sus arrugas, sus cabelleras grises, la pose que toman los huesos luego de tantos años, ocultemos la melancolía de haber sobrevivido a tantos amigos, ocultemos la parálisis y la incontinencia, porque al fin de cuentas qué viejo quiere se recordado arrugado, ciego, encorvado y con bastón. Borges quiso, Bioy Casares también; pero ellos son otro tipo de viejos, son viejos con experiencia, con sabiduría, con orgullo, la clase de viejos que sí debemos recordar. Al resto no. Nuevamente temblamos al enfrentar el futuro, al mirarle la cara a la naturaleza.
Y lógicamente asociada a la Enfermedad y a la Vejez, se encuentra la Muerte. Dos caminos que llevan a un mismo sitio y un sitio al que todos le huimos. Y si el arte representa al mundo, que mejor que condenar la Muerte para creer que no está presente, o al menos no muy presente y no muy cercana.
Richard Avedon retrató los últimos siete años de vida de su padre, su vejez y su muerte. Quizá a modo de exorcismo o a modo de duelo, pero lo hizo; y cada vez que veo su trabajo me planteo la muerte de mi madre; nunca la mía, con eso tendrán que lidiar mis hijos.
Autores como Diane Arbus, Joel-Peter Witkin, Richard Avedon, retrataron la Muerte, la Vejez, la Enfermedad, y lo hicieron con dignidad, sin tapujos ni medias tintas, sin golpes bajos y mostrando respeto por la naturaleza, y así redignificaron a locos, deformes, viejos y moribundos. Si el arte es reflejo del mundo, es tiempo de sincerarnos con nosotros mismos y aceptar con humildad el proceso natural de los cuerpos.

Con el avance de la tecnología y la difusión casi instantánea de los medios gráficos, podemos ver caras bonitas de cualquier parte del globo, pero son siempre las mismas caras. Desde hace medio siglo los rostros solo cambian de dueño y nacionalidad, pero siguen siendo un reflejo del rostro que lo precedió y será la base para el que lo reemplace. Es momento en que los rostros cambien, en que dejen de mostrarnos una y otra vez lo mismo, en que podamos ver hombres y mujeres diferentes, dispares, diversos, desequilibrados; rostros como los nuestros, comunes, bellos en su simplicidad, estéticamente errados y más humanos que divinos. Es momento también de enfrentar nuestra mortalidad y la de nuestros seres más cercanos.
Estos factores son sumamente valiosos como para continuar marginándolos y hasta es socialmente necesario darles un papel prioritario dentro de los medios de difusión, artísticos, culturales y sociales; porque solo así empezaremos a aceptarnos y a aceptar a los demás en su diversidad, y de esta manera nos reconoceremos tanto en “feos” como en “bellos”, en jóvenes como en viejos, en sanos como en enfermos, y la realidad de que si bien somos seres mortales con un punto final asegurado, lograremos no tenerle tanto terror a la muerte.

Conocer para elegir

2009-03-09T21:52:00.000-02:00

Por M. Lara Palazzo

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

Vivimos inmersos en un mar de sonidos, en todo momento y lugar. Naturalmente buscamos la música, la que nos acompaña en las distintas circunstancias de nuestras vidas; en una película, una obra de teatro, una exposición así como también en la primera comunicación entre una madre y su hijo.

En casi doce años de desempeño como docente de educación musical, he atravesado diversas situaciones en la tarea cotidiana. A la hora de presentar una consigna, la aceptación del alumnado suele diferir notablemente según la edad promedio del grupo en cuestión.

Normalmente, al querer abordar el conocimiento, apreciación o ejecución de alguna obra perteneciente al estilo académico (más conocido como clásico), me he encontrado como primera reacción en niños de nueve años en adelante con expresiones como: «Que aburrido», «Que feo», sin siquiera poder finalizar en una primera clase una simple audición.

Contrariamente, en alumnos más pequeños la respuesta suele ser totalmente diferente; éstos manifiestan en la mayoría de los casos, agrado y buena recepción frente a la diversidad de estilos. En esta etapa del desarrollo, la sensorialidad auditiva y la afinación en el canto se encuentran en su mayor plenitud, acompañadas por un oído absolutamente receptivo al estímulo sonoro, indistintamente si pertenece a uno u otro estilo.

Cómo es posible entonces que un niño de hasta siete u ocho años de edad se sensibilice profundamente al escuchar un fragmento de una sinfonía de Mozart, o las famosas «Cuatro estaciones» de Vivaldi , se permita jugar, dar rienda suelta a sus movimientos corporales, y tan sólo uno o dos años más adelante le resulte «feo», «aburrido» y «desagradable». Es difícil comprenderlo y debemos preguntarnos el porqué.

Dejando de lado el desarrollo natural del niño que modifica sus intereses y traslada su atención hacia distintos ejes, existe el factor externo, que tal vez inconscientemente, lo condicione a la hora de elegir libremente si un motivo o frase musical resulta ser de su agrado o no.

Los anteojos mágicos

2009-03-09T21:49:00.000-02:00

Por Cristina Passarelli

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

Había una vez una niña que vivía en una gran ciudad, en realidad ese era su lugar circundante, pero ella vivía en su propio mundo, en su maravilloso mundo, lleno de fantasías y hermosos sueños, enmarcado con mucho amor.
La niñita fue feliz hasta que un día alguien dijo que tenía que ir a la escuela. A pesar de que esto le disgustaba, y mucho, tuvo que aceptar las reglas del juego ya que no le quedaba posibilidad de elegir. Esto significaba salir de sus fantasías para ir al mundo real, en el cual ella no estaba cómoda.
Así fue como entonces, inmediatamente comenzadas las clases, alguien dijo:
-¡Debe usar anteojos! Dado que no estaba cumpliendo con las reglas del buen escribir, y todo lo que se veía en su cuaderno, era confuso y borroso. Sus escritos parecían jeroglíficos antiguos ¡Hermosas manchas de colores! Así era como ella veía las cosas, pero esto a nadie importaba, solo era lindo o feo, solo eran manchas sin significado alguno, dejando a la maestra en evidencia de que su clase no era demasiado interesante.
Sin embargo, había que usarlos, demasiada gente involucrada, demasiada para una sola niña; la cual no seria aceptada si su cuaderno seguía siendo una gran mancha al mejor estilo Picasso.
¡Y llegó el gran día! De la misma forma en que se probaba un vestido, se probaba unos anteojos.
Se sentían muy mal y se veían peor, sin elección de colores o cristales. Así fue que salió a la calle con esos aparatejos puestos que representaban el comienzo de un largo camino por descubrir...
Calzados ya con ellos, comenzó a percibir y escuchar varios comentarios acerca de los mismos: -¡Que pena ocultan sus ojos! ¡Impiden admirar sus largas pestañas! ¡Es mejor que se los saque para pasear y los use solo en casa, donde nadie la vea!
De esta manera los monstruos de la sociedad, los gigantes, no se sentirían incómodos.
Resultó entonces que educada y silenciosa, cada vez que salía se sacaba los anteojos porque le hicieron creer que su cara se vería más hermosa, clara y despejada.
Pero sin embargo, supo descubrir en estos horribles armazones, las escapadas necesarias para reencontrarse con aquel mundo que en algún momento, solo en algún momento, había tenido que abandonar.
Y creció, y éstos fueron su refugio. A través de ellos se ocultaba y jugaba con imágenes que se reflejaban en sus cristales mientras los profesores de secundaria dictaban sus largas y pesadas clases en las que ella ni sabia de lo que estaban hablando.
También, en otros momentos fueron sus peores enemigos.
Pero no pudo desprenderse de éstos.

Las máscaras de la anormalidad

2009-03-09T21:48:00.003-02:00

Por Leandro Ibáñez

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

La creación de la fotografía fue la consecuencia de una necesidad humana, la necesidad imperante de ganarle al tiempo. Sólo mediante fotos podemos ver el pasado. Pero cuando fotografiamos algo o alguien, estamos decidiendo qué cosas rescatamos del paso del tiempo y qué recuerdos queremos mantener vivos en nuestros álbumes. Lo que no se fotografía, se quiere olvidar, se quiere negar.
¿Pero qué sucede cuando lo que queremos negar es la otra mitad del mundo? Surgen fotógrafos como Diane Arbus. Fotógrafos que nos enfrentan con aquello que nos ocultan, con lo que negamos, con lo que nos duele.
Diane Arbus inició su vida en 1923 y puso fin a ella en 1971. Durante los últimos quince años de su vida, con su cámara volvió visible lo invisible; y como retratar es dignificar, revalorizó a todo un submundo que había vivido condenado a la ceguera social. Nacida y criada en Nueva York, Diane creció rodeada de belleza y protegida de un mundo ajeno al suyo, un mundo que no le era permitido mirar de frente. Ya adulta, esposa fiel, madre ideal, ciudadana ejemplar; algo se rompió dentro de ella y descubrió una fuerza mayor que la empujó al exterior, a deambular por el mundo que le habían ocultado. Abandonó el estudio fotográfico que compartía con su esposo, estudio donde retrataban hermosos rostros femeninos en acogedores ambientes y acompañados con finísimas pieles y vestidos, donde fotografiaban el sueño americano, la promesa permanente, la felicidad en sí misma. Dejó esa comodidad que durante tanto tiempo la sofocó y desde entonces su estudio fueron los parques y las calles, los manicomios y los circos, los suburbios ocultos y los campos nudistas.
En la obra de Arbus podemos encontrar enanos, gigantes, hermafroditas, mellizas, trillizas, mujeres barbudas, ancianos, enfermos mentales, enfermos físicos, nudistas y todo un vasto repertorio de seres humanos.
Nunca los fotografió de improvisto o a lo lejos, se relacionaba con cada uno de sus retratados y posaban delante de su cámara de la manera mas natural, sin penas pero tampoco con glorias, los retrataba de la misma manera en que retratamos a nuestros amigos íntimos, a nuestros hijos, a nuestros padres. Con la mirada siempre al frente y utilizando flash de relleno, sus modelos se diferenciaban del ambiente y sobresalían del entorno caótico.
El retrato fotográfico es un espejo de papel que nos revela tantos lados como seres humanos existan y nos enfrenta a nuestros más profundos miedos. Diane consiguió chantar en la cara de sus espectadores la locura, la vejez, la muerte, y preguntarles tácitamente si están preparados para ellas.

Pavorosos y repugnantes, tres feos de la literatura

2009-03-09T21:45:00.002-02:00

Por Emiliano Cosenza

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

En 1852, la Enciclopedia Universal Moderna de Madrid planteaba que la fealdad no se define únicamente como lo contrario a la hermosura, aseguraba que «no se necesita tener la menor noción de belleza ni haber visto jamás una cosa bella para que parezca feo un rostro torcido, una nariz enorme, un color cetrino, o un gran torso sostenido por dos piernas pequeñas. Basta con que estos ejemplos se desvíen del tipo común a que se somete la naturaleza en la estructura del cuerpo humano».
Veintiún años antes, el novelista francés Víctor Hugo tuvo la misma idea de fealdad cuando imaginó a Quasimodo, el jorobado que fue personaje central de la novela Nuestra señora de París. En una de las escenas de esa historia de amor y tragedia ambientada en el siglo XV, Quasimodo, que estaba confinado en el campanario de la Catedral de Notre-Dame, queda expuesto ante la gente y muestra su fealdad. «Es imposible transmitir al lector la idea de aquella nariz piramidal —escribió Víctor Hugo—, de aquella boca de herradura, de aquel ojo izquierdo, tapado por una ceja rojiza a hirsuta, mientras que el derecho se confundía totalmente tras una enorme verruga, o aquellos dientes amontonados, mellados por muchas partes, como las almenas de un castillo, aquel belfo calloso por el que asomaba uno de sus dientes, cual colmillo de elefante; aquel mentón partido y sobre todo la expresión que se extendía por todo su rostro con una mezcla de maldad, de sorpresa y de tristeza. Imaginen, si son capaces, semejante conjunto».
Un escritor escocés, algunos años después que Víctor Hugo, dibujó con maestría un personaje que llevaba consigo la idea de una fealdad ya no anclada a una deformidad, sino a lo macabro. Ese personaje nefasto, eran en realidad dos personajes en uno: los protagonistas de El extraño caso del Dr. Jeckyll y Mr. Hyde. Una historia que, en principio, Robert Louis Stevenson visualizó en una pesadilla, y que finalmente publicó en 1886.
A diferencia de Víctor Hugo, que describió a Quasimodo casi desde su punto de vista de autor, Stevenson utiliza un narrador omnisciente que nos permite conocer a Mr. Hyde a partir de las impresiones que le produjo a otro personaje, el abogado Mr. Utterson. «Mr. Hyde era pálido y de cara chata —escribió Stevenson—, daba la impresión de deformidad, sin poder precisar ninguna deformación. Sonreía desagradablemente y su conducta con el abogado era una mezcla homicida de cobardía y de audacia, y hablaba con una voz ronca, baja y rota. Todas estas circunstancias repercutían en contra suya, pero incluso juntas no bastaban para explicar la excepcional aversión, el odio y el espanto con el que lo recordaba Mr. Utterson. <<>>.
El jorobadito, un cuento de 1933 en el que aparece Rigoletto, un personaje que combinaba las cualidades de Mr. Hyde y de Quasimodo. Si bien ver a Rigoletto causaba lástima, sólo ocurría por un instante. Era tan insolente que al final daban ganas de matarlo. «Al estrangularlo —escribió Arlt— me creo con derecho a afirmar que le hice un inmenso favor a la sociedad, pues he librado a todos los corazones sensibles como el mío de un espectáculo pavoroso y repugnante. Sin añadir que el jorobadito era un hombre cruel».
Mr. Hyde engulló al Dr. Jeckyll. Quasimodo murió junto al cadáver de la única persona que pudo ver más allá de sus deformidades. Rigoletto murió por insolente y por haber aportado a los enfermizos propósitos de un desconocido.
Imaginen qué hubiera pasado con ellos, si no hubieran tenido esa espeluznante fealdad.

Un día te miran como nunca te habían mirado

2009-03-09T21:40:00.002-02:00

Por Soledad Linale

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

María Victoria Menis nació en Buenos Aires, aunque vale decir que cada vez que puede aprovecha para escapar hacia alguna playa que le de la paz que en la gran ciudad es difícil de encontrar.
Directora y guionista de cine, teatro y televisión, asume su rol como algo natural, y sin ninguna duda siendo reconocida por ello. «Los premios me hacen sentir muy bien. Porque no te voy a contestar lo que dice mucha gente que los premios no le interesan, a mi sí me gustan porque son como un mimo! Pero la verdad que tampoco me llamaron miles de productores por premios recibidos, aunque tengo un pequeño club de fans, formado fundamentalmente por mi familia!»
Aun así, siendo considerada mundialmente aclara «lo que te quiero decir es que cada vez que empiezo un proyecto, la tengo que remar mucho. Quizás es un tema de la Argentina, no sólo mío. Tengo que reconocer, eso si, que hay gente a la que le interesa trabajar conmigo, gente talentosa. Y eso me reconforta mucho. También hay muchísima gente que se conecta a través de las páginas de mis películas dejando mensajes. Y eso me motiva, me da fuerzas para pelearla».

En el 2008 estrenó su último film, «La Cámara oscura», basado en un cuento de Angelica Gorosdicher, quizás el más publicitado. «Busqué que la gente se identifique con esa Gertrudis que se siente fea porque la han mirado como fea desde chica. Traté de remitir a la gente, a los futuros espectadores, a esas etapas donde todos nos sentimos diferentes, que no encajamos. Que no nos reconocen, que nos prejuzgan, que nos etiquetan, que no nos entienden porque no van a nuestro interior. ¿Quién en la vida no se sintió alguna vez así? ¿Excluido, diferente, mal mirado?».
‘Un día te miran como nunca te habían mirado’, esa frase, que estaba en el afiche, es realmente la que marca al momento de ver la película. Una mujer, una familia y las ganas de vivir. De salir de ese lugar en donde tantas personas, a lo largo de su vida, la habían encasillado.
«En la película, Gertrudis es fuerte, aunque debe someterse, volverse casi invisible para no sufrir. Finalmente toma una decisión que demuestra que en ella, ese ser deseoso de otra vida, estaba ahí, en su interior. Seguía vivo, sólo que tenía que poder sacarlo afuera. Y lo saca. Se saca a si misma, se reencuentra con ella».

¿Cómo fue que elegiste el cuento de Angélica Gorosdicher?
Me gustó mucho la historia, y contarla desde el punto de vista de una chica que la mamá la considera fea y ella se siente de ahí en más, fea. Y la confrontación de esa chica con un fotógrafo que ve otra mujer en ella. ¿Qué es la belleza? ¿Por qué miramos como miramos? Son alguna de las puntas que tira el cuento de Angélica que me atrajeron enormemente.
Y pareciera entonces que muchas cosas en la vida giran en torno tan solo a una mirada. En el cielito transmite una imagen difícil de olvidar, quizás tan difícil, cuando una no quiere olvidarla, y aquí, la función de la mirada vuelve a ser implacable y hasta irreversible en la vida de una persona.

¿Qué es para vos la belleza?
Es algo que se completa en si mismo, que da paz, que puede ser una inteligencia, puede ser el mar, una forma de amar, un gesto, una obra de arte, una torta de frutillas hecha para mi cumple por una tía que me adoraba, una mirada, un libro, amar.

¿Qué te llevó a dirigir una película sobre la fealdad?
Que la belleza y la fealdad son inventos culturales que responden a cánones de época, y mas que nunca, en este momento encuadran a modelos universales impuestos por el consumo y repetidos al infinito por un mundo globalizado, que clona en todos lados lo que se supone es bello o feo.
Quizás alguno llegue a sentir que la película regale otra mirada sobre la fealdad, un nuevo ángulo, un desmitificar que el feo siempre es el chistoso de la película, o quizás, el buenudo. «No me siento tan genial como para decir que aporté algo distinto. Me contento de haber hecho una reflexión fílmica sobre esta temática. A veces la fealdad está tomada para la comicidad. Pero donde mas noto su presencia, es en su ausencia». Y agrega para cerrar el tema «pero evidentemente, es mas taquillero, es mas «bonito» y vende más, un film que esté protagonizado por «bonitos», que esta cultura decretó como tales».
Luego de unas cuantas preguntas nos confiesa de un nuevo rol que viene tomando vuelo: el de actriz. «Alguna vez anduve por ahí, delante de cámara. En ‘El Cielito’ gritando al fondo de un pasillo. En un colectivo, en ‘Arregui, la noticia del día’. Me gustaría actuar más, porque creo que no me saldría mal (estudie teatro y era bastante convincente jaja) Pero bastante problemas tengo para llevar adelante las pelis. Uno mas, no! Ahora, si me llama otro director o directora, voy!»
Para ir cerrando, nos resume algunos de sus gustos, un libro: «El amor en los tiempos del cólera», Beatles antes que los Stones («aunque suene blandengue» aclara), para un vestido y un amor, «para que quiero el vestido si no esta el amor?», y la imposible: una película, «no puedo. No me obligues a una. Son muchas.»

Mirame y no me toques, pero MIRAME

2009-03-09T21:38:00.000-02:00

Por Brenda Hardenack

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

Los conceptos de belleza y de fealdad no son nuevos en estos tiempos, a lo largo de la historia de nuestras sociedades los estereotipos de lo que se considera lindo y feo atravesaron por parámetros diferentes.
Cristalizados en la pintura, la fotografía, el cine y desde hace unos pocos años en la televisión. Este último medio, característico de la exposición de estereotipos.
Hoy la televisión pone en el tapete un concepto corporal caracterizado por otros parámetros; sin ir más lejos en nuestros días esos cuerpos corpulentos que se observan en distintos obras pictóricas, son vistos como «feos» ya que los conceptos de belleza o de fealdad son construcciones sociales que van cambiando a medida que las sociedades van cambiando sus valores. Es así que lo que en tiempos de ataño se lo consideraba de una determinada manera, en la actualidad su connotación puede llegar a ser lo opuesto.
Para poder entender la influencia que ejercen los medios masivos en el imaginario social me gustaría detenerme en las teorías comunicacionales más características de cada época.
En 1920, la teoría de la aguja hipodérmica planteaba que la manipulación es posible, porque es factible crear un estímulo, un mensaje, tan fuerte que se «inyecte» (de ahí el nombre de «hipodérmica») en los individuos. Entre el emisor y el receptor, entre el estímulo y la respuesta, no hay ninguna intermediación que impida conseguir los objetivos, hay una relación directa de causa-efecto, algo mecánico, un vacío. De modo que la manipulación es posible porque frente a un poder enorme de medios de comunicación de masas no hay ningún elemento de resistencia. A su vez, en los años cuarenta con el desarrollo del cine como industria cultural surge los postulados de «La Escuela de Frankfurt» que manifestaban que el cine al formarse como industria es manejado por la ideología dominante y de esa manera generara una influencia absoluta sobre una sociedad totalmente alienada sin poder de decisión y de pensamiento sobre lo que veían en la pantalla de los cines. Mientras que con los estudios culturales se comienza a postular una concepción del receptor como no-pasivo, de tal forma que las culturas no son entes alienados sin poder de discernir lo que ven. De todas maneras, no niegan la manipulación que ejercen los medios, pero plantean que la gente hace cosas con esa manipulación, no toman todo tal cual se lo dan. Es así, que piensan que se debe hacer hincapié en los estudios de las culturas para ver qué es lo que toman y qué lo que dejan.
Ahora bien, para volver puntualmente a los concepto de belleza que están presente en dichos medios no debemos negar que en los distintos géneros televisivos, hoy más que nunca, se hace presente un estereotipo de belleza determinada y todo lo que se considera feo no tiene permiso para estar presente en dicho medio. No tenemos más que mirar una telenovela, un programa de la tarde, o un programa como «Show Match», para poder observar que los estereotipos de belleza son los factores característicos de dicha programación, donde todo pasa por la imagen. De todas maneras, es necesario mirar qué sucede en nuestras sociedades ya que todo pasa por un anhelo de lograr la eterna juventud, a través de distintas cirugías estéticas, distintos tratamientos estéticos, gran cantidad de ejercicios y poca alimentación. Y como digo al comienzo al ser la belleza y la fealdad construcciones sociales hoy por hoy los parámetros de belleza son éstos y lo feo no tiene consideración alguna en nuestras sociedades, sin que exista la mera posibilidad de detenerse a pensar que en lo que se considera «feo» también se puede encontrar hermosura como así también la fealdad de hoy podrá ser belleza en un futuro.

Versos en el margen

2009-03-09T21:37:00.000-02:00

Por M. Laura Flores

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

La noche de los feos
Ambos somos feos. Ni siquiera vulgarmente feos. Ella tiene un pómulo hundido. Desde los ocho años, cuando le hicieron la operación. Mi asquerosa marca junto a la boca viene de una quemadura feroz, ocurrida a comienzos de mi adolescencia.
Tampoco puede decirse que tengamos ojos tiernos, esa suerte de faros de justificación por los que a veces los horribles consiguen arrimarse a la belleza. No, de ningún modo.
Tanto los de ella como los míos son ojos de resentimiento, que sólo reflejan la poca o ninguna resignación con que enfrentamos nuestro infortunio. Quizá eso nos haya unido. Tal vez unido no sea la palabra más apropiada. (…)
Nos conocimos a la entrada del cine, haciendo cola para ver en la pantalla a dos hermosos cualesquiera. Allí fue donde por primera vez nos examinamos sin simpatía pero con oscura solidaridad; allí fue donde registramos, ya desde la primera ojeada, nuestras respectivas soledades. En la cola todos estaban de a dos, pero además eran auténticas parejas: esposos, novios, amantes, abuelitos, vaya uno a saber. Todos - de la mano o del brazo - tenían a alguien. Sólo ella y yo teníamos las manos sueltas y crispadas.
La esperé a la salida. Caminé unos metros junto a ella, y luego le hablé. Cuando se detuvo y me miró, tuve la impresión de que vacilaba. La invité a que charláramos un rato en un café o una confitería. De pronto aceptó (…) Hablamos largamente (…)
«Vivo solo, en un apartamento, y queda cerca». (…) No sólo apagué la luz sino que además corrí la doble cortina (…) Tuve que recurrir a todas mis reservas de coraje, pero lo hice. Mi mano ascendió lentamente hasta su rostro, encontró el surco de horror, y empezó una lenta, convincente y convencida caricia. En realidad mis dedos (al principio un poco temblorosos, luego progresivamente serenos) pasaron muchas veces sobre sus lágrimas. (…) Lloramos hasta el alba. Desgraciados, felices. Luego me levanté y descorrí la cortina doble.
Extracto de «La noche de los feos», cuento de Mario Benedetti. Del libro «La muerte y otras sorpresas» (1966)

En «La noche de los feos», Mario Benedetti deja notar que cualquier persona que lleve en su cuerpo la estampa de la fealdad, está condenada a enamorar y enamorarse de una persona en su misma situación.
El autor hace aparecer a los personajes sencillamente como «horribles», sin siquiera poder aproximarse a esa cierta belleza que vaya uno a saber quien determinó como tal. La fealdad en los protagonistas no es un detalle, sino una propiedad sustancial, una característica irrevocable y fatal, «ambos somos feos. Ni siquiera vulgarmente feos». Y ni siquiera los salva la ternura de la mirada, «esa suerte de faros de justificación por los que a veces los horribles consiguen arrimarse a la belleza».
Y de la mano de la fealdad, el narrador los asocia a la marginalidad, a la soledad que propicia el sentirse feo, soledad que encuentran en un lugar cualquiera, donde todos están en pareja, excepto ellos, los feos, «con las manos sueltas y crispadas».
Benedetti termina asegurando, de una forma silenciosa, que la desgracia puede tener un final optimista, sólo si esas marcas se han envuelto en el grito, no para silenciarlas, sino para nadar en él, y a partir de allí reconstituirse para llegar al fondo de sí mismos.

¿Qué gusto tiene la sal?

2009-03-09T21:31:00.003-02:00

Por Sebastián Kargdorian

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

Imagine que está viendo un Dibujo animado clásico. Éste trata de una Princesa agradable, simpática y ensoñadora que gusta de pasear por los bosques de su reino a la espera de un Príncipe que llegue en corcel para amarse mutuamente hasta el fin de sus días. También trata de un Conde tenebroso, malvado y caprichoso, que ansía con desposar a dicha Princesa. Ella, por supuesto, se niega. Tal es la maldad de este Conde, que decide secuestrarla usando artimañas mágicas y encerrándola en los calabozos de su Castillo hasta el momento en que ella acceda a casarse con él.
Ahora bien, seguramente usted ha imaginado una Princesa delgada, alta, de pequeña cintura, busto firme y casi con seguridad, rubia y de ojos claros. En fin, una Princesa «bella». ¿Y el Conde? Muy probablemente lo ha imaginado extremadamente gordo o extremadamente flaco, calvo o de pocos pelos canos, de nariz ganchuda y con verrugas, tal vez con alguna cicatriz, muy petizo o innaturalmente alto, baboso y de aspecto un tanto desaliñado. En fin, un Conde «feo».
Este recurso lo podemos observar hasta el hartazgo en la mayoría de los dibujos para niños (que suelen ser adaptaciones de cuentos clásicos) en los cuales se termina asociando lo bello con lo bueno, y lo feo con lo malo; como si verdaderamente existiese una relación natural entre la Moral y la Estética de una persona sea cual fuere. Ésta relación no se muestra en ningún otro lugar de manera tan obvia y exagerada como en éstos relatos infantiles animados, tan a la vista que pasa desapercibida.
Es bien sabido que lo que concebimos como «bello» no es más que una construcción socio-cultural y que varía de época en época, y de cultura en cultura. Lo macabro es que, en forma paralela e inseparable, al mismo tiempo se construye la concepción de lo «feo» y ambos se convierten en opuestos insalvables. Los relatos infantiles animados dan cuenta de ello, replicando y reproduciendo el arquetipo Estético vigente y asociándolo a un modelo Ético un tanto extraño: los personajes «buenos» son necesariamente «lindos», y los «malos» son necesariamente «feos»

La era de la boludez

2009-03-09T21:29:00.002-02:00

Por Eugenia Hardenack

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

He aquí mi reflexión, mi concepto, mi idea: La gente boluda hace más daño que la gente mala.
Vivimos escuchando frases tales como «perdoname… fue sin querer», «Te juro que fue sin intención», «no lo quise decir de esa manera», «se me escapó» y así infinidad de modismos que son usados para contrarrestar o recuperar una acción que si bien puede solucionarse, muchas veces, deja una marca irrecuperable.
Cuando ocurren estos eventos pensamos: «que hija de… me lo hizo apropósito de jodida» Pues no… Lo hizo de boluda.
No suele ser un problema, ni un conflicto cuando ocurre una vez, todos nos equivocamos,
a veces no podemos dimensionar cuanta importancia puede tener algo para el otro y hablamos o actuamos sin medir las consecuencias.
El problema aparece cuando este tipo de actitud se reitera en la misma persona y en diversas situaciones.
Veamos ejemplos: 1) una chica (llamemosla X) le confía a otra compañera de trabajo (S) que le gusta un compañero de su mismo sector (R). X le cuenta a S que cada día que ve a R se pone medio nerviosa, que no sabe bien que decirle y tiene miedo que el otro se de cuenta que le gusta, ya que se trata de una relación laboral y no quisiera arruinarla quedando en evidencia. Luego de desahogarse, X le pide a S que no diga nada. Si S al día siguiente va y le cuenta todo al susodicho, podríamos llegar a afirmar que ésta actuó de mala fe por infinidad de motivos que no vienen al caso.
Ahora bien, (uso este conector porque es muy de teoría) si esta amiga al día siguiente no le dice nada al muchacho pero en cuanto los ve hablando o juntos empieza a hacer gesticulaciones con la cara, algún comentario algo simpático del estilo: «que linda está hoy X … no R?» y pensemos que este accionar se va reiterando a medida que transcurre la semana, llegado el viernes, probablemente R ya se haya dado cuenta que algo pasa ahí y X esté mas inhibida que antes.
Además, probablemente X ya esté pensando que S es una terrible yegua que le quiere serruchar el piso. Aquí se puede ver claramente un conflicto que se podría haber evitado si S no fuera tan boluda. Si S hubiera sido mas sutil, de haberse mantenido al margen en vez de «querer ayudar», hubiese ayudado realmente.
2) Vivimos en comunidades, barrios, cuadras, edificios y por suerte o lamentablemente, según los casos particulares, tenemos y somos vecinos. Si no lo somos, todos tenemos un vecino chusma, metido o hablador. Si bien, yo soy tremendamente chusma y entiendo ese sentimiento de querer saber todo de todos, creo tener la neurosis controlada en algún punto y solo escuchar más que hablar. Pero todos sabemos que abundan las personas que además de enterarse, aman vociferar a viva voz todos los datos que han ido recolectando a lo largo de los días; sin saber si a alguna otra persona puede llegar a interesarle esa información.
Entendamos que se trata de una especie de problema psicológico egoísta y que a esta clase de gente poco le importa que al otro le interese, solo necesita desahogarse.
Situación en la vereda: viene la famosa vecina chusma y nos dice «¿Te peleaste con tu novio? Porque lo ví con otra chica el otro día ¿Que pasó?» Primero, «¿Qué cuernos le importa señora????» Segundo, «no, no me pelee». Esa es la respuesta que quisiéramos dar, pero la mayor parte de las veces contestamos cordialmente, porque si encima le contestas mal, la loca desubicada sos vos. Con lo cual te peleas con tu novio porque le contas que lo vieron con otra y para colmo te enroscas pensando que todo el barrio ya sabe que sos una cornuda.
En conclusión, una vez más triunfó la boludez y te arruino la vida. Como dije en un comienzo, esto es solo una hipótesis, y estos dos ejemplos me sirvieron de disparador para arribar a la ansiada Teoría.
Prometo tener novedades. Mientras, a modo de consejo, les pido… evitemos la boludez… que hace tanto mal.

Máti *

2009-03-09T21:20:00.003-02:00

Por Cristian Figueroa

(La siguiente nota ha sido modificada para su publicación web. Para leerla completa, adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.)

Una superficie redondeada. Apoyada sobre cuatro aristas cruzadas, puntiagudas, que patas arriba formarían una equis perfecta. La silueta recubierta en cuero, ya baqueteado, con cicatrices, con sombras, con olores. Una doble línea infinita de guiones suspensivos corriendo paralelos a su boca, que luego suben y bajan sin brújula por todo su cuerpo. Se ubican en lugares estratégicos del contorno para cuidar su integridad. El doble punto fortalece su boca generosa, digna de los besos más dulces, o más amargos, según la ocasión.
Si lo giramos hacia un lado, veremos lo mismo, o algo parecido, a lo que si lo girásemos para cualquier otro lado. Un exterior monótono, homogéneo, sin mucha gracia, salvo por su panza bonachona, que sí es bastante graciosa.
Su alto no supera los diez centímetros y su diámetro los setenta milímetros, haciendo que, por su tamaño, sea bastante manuable. Aunque con su parabólica incrustada mide mucho más, eso sí.
En su interior yace el secreto de los aromas sin tiempo, de las charlas sin palabras. Un misterio de rituales, de rondas y fogones, de tiempos inmemoriales. En su interior se mezcla todo, en un sin fin de zarandeos, desde el amanecer hasta el crepúsculo.
Boca adentro, cuando todo está vacío, las venitas como ríos se dejan ver, juguetean dispersas en el fondo, respirando el sabor de la calabaza fresca. Hasta que alguien las tapa con hojas, y palos, y polvillo, ahogándolas en la espuma caliente de una madrugada. Y luego, introducen el metal frío, perforado en una punta y achatado en la otra, que funciona como jeringa, como puente hacia gargantas sedientas. Y también hambrientas, por qué no.
Ahora su interior está lleno. Se rebalsa. El metal frío ahora esta caliente. Se inclina hacia un lado, luego hacia el otro. Como una antena busca la mejor posición para que el resultado sea el más optimo, para que las sonrisas se dibujen en los rostros.
La amarga infusión comienza la ronda. Los cuerpecitos se van calentando, el corazón compartiendo. Un cimarrón, un dulzón, alguno con limón o naranja, algún otro con hierbas. Diferentes formas de servirlo y llamarlo. Todos serán bien recibidos porque es la amistad y la unión entre individuos lo que trasmite.
Mate viajero, aunque tu presencia es perpetua en América del Sur, has estado por todo el mundo sin chistar. Podríamos trazar tu huella: Paraguay, Litoral, el Río de la Plata y sus dos orillas. El lugar que elegiste para nacer y quedarte.

Máti: «calabacita» en quechua. Posible origen etimológico de la palabra mate.

Posta Data Nº1

2008-11-08T16:08:00.003-02:00

Editorial

Antes de ser nada, fuimos todo. Fuimos zapatillas agujereadas, exiliados sin recursos, piedra en los bolsillos, presos políticos, estómagos vacíos, extranjeros ilegales, jueces sin razón, parte con derecho.

Porque hay una realidad que nos duele. Por eso elegimos sumergirnos en los ríos de la prensa grafica, porque la palabra escrita es la que perdura.

Algo de todo aquello nos quedó, y tuvimos que aprender a ser editores, fotógrafos, periodistas, economistas, publivendedores, diseñadores.

Y desde entonces, nadie ha podido descifrar la oscura razón de los deseos. Todo se ha escapado de las manos bienintencionadas, todo se esfumó por los pasillos de laboratorios incapaces de mencionar lo simple. Porque ya sabemos, siempre le buscamos la quinta pata al gato, una mancha más al tigre, una raya extra a la cebra, o cuanto refrán zoológico quieras pensar.

Entre la filosofía y el psicoanálisis, los motivos se eclipsan. Los deseos dejan de ser objetos de estudio para convertirse en un mar donde ya nadie puede navegar, donde las respuestas encajan en las preguntas y a veces, una pregunta sirve para hilvanar objeciones.

En este principio de siglo, casi nada nos queda claro, excepto la certeza de sabernos vivos en un mundo frágil. Y la certeza del deseo. Entonces que importan las razones si el deseo late.

Y es precisamente allí donde esta Posta Data nace. En la ambición de generar algo, poco o mucho, siempre es algo. Las razones las sabrán cada uno de quienes escriben, el deseo es conjunto. Y si la suma de las razones hacen al deseo, habremos de navegar tranquilos para siempre. Porque nada terrible puede pasarnos si estamos convencidos de lo que hacemos.

Prima, hermana, tía o sobrina de la revista Post Data de San Nicolás, en esta primera Posta Data intentamos sumergirnos en los ríos de América Latina, la que todavía continúa con las venas abiertas, la que alguna vez supo reír y mostrar los dientes, y hoy llora a los hijos que se van.

En el árbol de las Postas Datas, quisimos delinear una rama más, escribir otra post data (como lo que se olvida en la carta y sin embargo, suele ser lo más importante), porque si en San Nicolás «queda algo por decir», intuimos que en esta Buenos Aires queda mucho por hablar, por escribir y por soñar.

Te pasamos la posta, sencillamente para seguir generando espacios de comunicación, de cultura y reflexión.

Venas que siguen abiertas

2008-11-08T15:44:00.002-02:00

Por Eduardo Poma

El arribo de Cristóbal Colón a América fue un emprendimiento que hizo posible uno de los hechos más destacados de la historia de la humanidad. A partir de esa fecha, en menos de un siglo, se pudo alcanzar a conocer la dimensión total del planeta en un sentido virgen, hasta entonces, por occidente. Se vincularon así mundos desconocidos entre sí con los más diversos estados de desarrollo. La ventaja para los europeos fue conocer la pólvora, la brújula, el papel y la imprenta, entre otras adquisiciones.

El solo hecho de pisar tierra americana produjo una espectacular cadena de acontecimientos que transformó y dinamizó la historia de la humanidad. El descubrimiento de oro y plata en el continente desataron un verdadero aluvión colonizador.
Centenares de expediciones y millares de hombres fueron tras los pasos de las noticias de fabulosas fortunas. En los primeros 150 años de conquista, 17 mil toneladas de plata y unos 200 toneladas de oro arribaron a España y potenciaron el incipiente desarrollo comercial y manufacturero, que abrió las compuertas a la Revolución Industrial
y al desarrollo capitalista de Europa. Un siglo después de la llegada de las carabelas de Cristóbal Colón al mar Caribe, de los más de 70 millones de indígenas preexistentes sólo quedaban tres millones y medio de almas. Primero, fueron derrotados por la desproporción de recursos, la sorpresa y la confusión. Luego, fueron privados de su cultura y creencias, sometidos al trabajo esclavo y finalmente, las enfermedades importadas por los europeos encontraron a sus organismos sin anticuerpos para resistir los virus y bacterias.
La casi extinción de la población nativa generó otro genocidio; al propiciar el repudiable comercio de seres humanos, al arrancar millones de africanos de su tierra ancestral para traerlos a nuestro continente como mano de obra esclava.
Medio milenio después, no se puede ocultar el exterminio indígena, salió a la luz otra versión de la historia, atrás quedaron definiciones como el «descubrimiento de América», que pretendía ignorar la existencia de millones de seres humanos que habían descubierto el continente miles de años atrás. También quedó demodé la más reciente definición de «encuentro de dos mundos», cuando en realidad, subyace el aplastamiento de uno por otro.

Fotografías

2008-11-08T15:43:00.001-02:00

Los atorrantes

2008-11-08T15:40:00.003-02:00

Por Cristian Figueroa

Resbalaba contento por la chala. Se tiraba como por un tobogán, riéndose, disfrutando de ser parte del paisaje y de estar rodeado por ellos: sus amigos, todos muy parecidos a él. Hacía poco tiempo que había dejado de ser un niño, entonces ahora, se permitía algunas salidas.

Estaba decidido a conocer el mundo por sus propios medios.

El mediodía era su momento preferido, y lo que más le gustaba era tirarse de aquellas alturas y salir corriendo hasta el chiquero. Llegaba al alambrado y se colgaba de él, a mirar a los chanchitos jugar, golpeándose entre ellos, correteando por todos lados. Disfrutaba mucho, aunque no podía estar mucho tiempo, porque enseguida venía el cuidador a darles de comer, entonces tenía que salir corriendo de nuevo para que no lo descubriesen.

En otros momentos llegaba y se regocijaba viendo el espectáculo de aquellos cochinillos alimentándose de la chancha madre, que muy tirada en el suelo dejaba que los pequeños se prendieran de sus tetillas, mientras los demás porcinos adultos daban vueltas por ahí, sin demasiado que hacer. Un día prometió ocultarse, y observar desde lejos qué pasaba durante el almuerzo que aquel granjero les daba.

Aquel día llegó, pero no pudo observar casi nada. No porque el cuidador lo estuviera a punto de descubrir, sino porque los mismos chanchos, al momento en que les daban la comida, se amontonaban rápidamente armando un terrible barullo. Sin respetarse, chocándose unos contra otros, levantaban una polvareda descomunal, que impedía cualquier tipo de observación.

Los cerdos demostraban una terrible voracidad por aquel alimento. Era una carrera por ver quién llegaba primero al manjar y quién lo terminaba más rápido. Cuestión que en pocos minutos no quedaban ni rastros de los baldes repletos que el granjero les tiraba. No quedaba nada. Solo ellos y sus crías, disfrutando, con sus hocicos sucios y sangrantes, luego de tan violenta faena; con sus ojos brillantes y rojos, deseando más y más.

«Pero ¿qué será lo que estaban comiendo?» se preguntó.
Pensó en dos cosas: que al fin y al cabo al tratarse de animales no podía pretender alguna racionalidad en sus acciones, contrastando muchísimo con la organización y el respeto que sí existía entre los suyos. Y en segundo término, pensó en que debería tratarse de un alimento demasiado rico y sabroso para que actuaran de aquella manera. A él le encantaba hacer todo este tipo de análisis.

Lo hacía siempre observando cualquier fenómeno animal. Lo cierto fue que aquella circunstancia no le agradó mucho, se molestó. En realidad no quería reconocer que se había asustado. Entonces decidió que en sus próximas escapadas iba a dar vueltas por otros lugares de la chacra, y a observar el comportamiento de otros animales, como los gansos o los caballos.

Aquella nochecita cuando volvía de su gira vespertina, pasó por enfrente del chiquero y se asombró al ver un terrible agujero en un rincón del alambrado, y al no poder divisar ninguno de los chanchos dentro de éste, se inquietó un poco. «Éstos atorrantes se escaparon y cuando se enteren los dueños se va armar la podrida», pensó.

Luego, yendo para su casa, al borde del sembradío, descubrió el terror con sus propios ojos. Aquellos atorrantes, tal cual él los había denominado, se hallaban corriendo de aquí para allá, volteando con sus cuerpos voluminosos y brutos, todos los tallos que podían a su paso y devorando todo lo que caía al suelo. Con la tristísima suerte de que justamente los que caían, eran sus mejores amigos y parientes más queridos, que se estampaban contra el piso en un solo grito desesperado.

Volvió a observar nuevamente aquella voracidad sin control, aquellos hocicos lastimados, el caos del chiquero trasladado ahora a su lugar de nacimiento. Volvió a observar horrorizado, aquellos ojos rojos que brillaban a la luz de la luna, deseando cada vez más y más.

Fue ahí cuando se dio cuenta lo que aquel granjero les tiraba para comer todos los días, y de por qué en aquel momento se había asustado tanto.

Pero ya no tenía tiempo para un nuevo análisis de la situación. Ya era demasiado tarde. En menos de un segundo, tras un mordisco certero y desgarrador de uno de los atorrantes, pasó de ser un esbelto y hermoso choclo a un solitario grano de maíz rodando por el suelo.

Ahí, en su último suspiro, se dio cuenta que nunca más iba a poder tirarse por un tobogán.

América Latina Canta

2008-11-08T15:29:00.002-02:00

Por José de Molina

Es América Latina y canta, Y al imperio su canción espanta, Defendiendo siempre sus derechos.
Lucha y Canta. Va Cantando al son de la Metralla,
Pronto Vencerá.
Jamás un pueblo canto, Como América Latina, Le canta al enamorado,
Al hombre y su trabajo,
Al obrero, al campesino,
Al paria y al artesano
…
Le canta al surco, al telar,
a la fabrica y la mina, le canta a la Sierra Andina,
y al Canal de Panamá, a las pampas argentinas,
y al cóndor de licantris,
al Altiplano, y al rio, a la sabana al potreroy al trino de un pajarillo.
…
Nadie mas tiene derecho,
a gozar de sus riquezas, que el Latinoamericano y quien quiera ser su hermano.

Maldición de Malinche

Por Gabino Palomares

Del mar los vieron llegar mis hermanos emplumados
Eran los hombres barbados de la profecía esperada
Se oyó la voz del monarca de que el dios había
llegado.
Y les abrimos la puerta por temor a lo ignorado.
...
Y cuando nos dimos cuenta ya todo estaba acabado.
Y en ese error entregamos la grandeza del pasado
Y en ese error nos quedamos trescientos años
esclavos.

Se nos quedó el maleficio de brindar al extranjero
Nuestra fe, nuestra cultura, nuestro pan, nuestro
dinero.
...
Hoy, en pleno siglo veinte nos siguen llegando rubios
Y les abrimos la casa y les llamamos amigos.
Pero si llega cansado un indio de andar la sierra
Lo humillamos y lo vemos como extraño por su
tierra.

Tu, hipócrita que te muestras humilde ante el
extranjero
Pero te vuelves soberbio con tus hermanos del
pueblo.

Oh, maldición de Malinche, enfermedad del presente
Cuándo dejarás mi tierra.. cuándo harás libre a mi gente.

-----------------------------------

Por Soledad Linale

En una de las últimas entrevistas que se le hicieron confesó: «Quisiera que mis canciones ya no estuvieran vigentes, porque eso querría decir que el país habría superado sus problemas. El
mundo ha cambiado, México no gran cosa. Seguimos viviendo la herencia de la Malinche,
recibiendo con grandes honores al extranjero, brindándole toda nuestra riqueza y despreciando al indígena que llega a nosotros cansado de andar la sierra.».

Gabino Palomares, cantautor, resume así su vida, dedicada a escribir canciones de protesta. Malinche, esa mujer sobre quien la historia ha callado mucho y sobre quien se ha hablado demasiado, aunque escrito muy poco.

Una de las veinte mujeres que le dieran a Cortés a cambio de paz y tranquilidad.

Jesús Núñez de Molina, más conocido como «José de Molina», fue otro de los mexicanos que brindó su vida a esto. Nacido en 1938, jamás se afilió a partido político alguno, y trabajó como campesino, obrero, periodista, actor y vendedor, entre otros oficios, ya que jamás cobró por su música, salvo en sus últimos años de vida.

Ambos le cantan a América, a sus primeros pobladores, al respeto de éstos con su tierra, y entre ellos sin fronteras. América Latina unida, siendo una.

Unión vs. Desunión

2008-11-08T15:24:00.002-02:00

Por Brenda Hardenack

La cultura se entiende como un tejido donde están las ideas, las actitudes, las costumbres y todo lo que se va transmitiendo de generación en generación y cada generación va haciendo modificaciones. De esta manera, se podría decir que la cultura se aprende y por tanto es un sistema de valores y de ideas que se van transmitiendo. Es necesario detenerse en la definición de la palabra “cultura” debido a que, precisamente, en las diferencias culturales entre las comunidades latinoamericanas se presentan los grandes problemas comunicacionales entre unas y otras.

El mundo es conocido por los seres humanos (es decir, se nos hace inteligible) no de modo inmediato, sino a través de signos que se relacionan entre sí y que generan nuevos signos que dependen de los sistemas interpretantes, es decir por diferentes sistemas culturales con los que entran en relación. Aquí entra en juego el tema del lenguaje verbal, una de las herramientas fundamentales que permite la comunicación entre las personas. Por ejemplo, en Argentina la palabra “tenis” se utiliza para hacer referencia a un deporte; mientras que en otros países de habla hispana, esta palabra tiene el significado que aquí posee la palabra “Zapatillas”. Es decir, por más que todo el continente latinoamericano comparta el mismo idioma castellano, no siempre el uso del mismo posibilite una buena comunicación. Si bien, éste es un ejemplo trivial puede demostrar el rasgo cultural y el uso del lenguaje en las diferentes sociedades. Esto quiere decir, que sería un error considerar que signos idénticos tengan idéntica significación en contextos culturales diferentes. Es por eso, que se podría decir que uno de los problemas comunicacionales entre la comunidad Argentina y las otras comunidades latinoamericanas puede radicar en que poseen signos idénticos pero como su contextualización cultural es diferente sus significaciones también lo son. Esta incomunicación entre las culturas muchas veces lleva adosado un importante componente discriminatorio por ciertos sectores de la comunidad Argentina hacia el resto de los inmigrantes. De este modo, se produce una estigmatización compuesta por adjetivos despectivos como ser: “negros”, “villeros”, “sucios”, “ignorantes” para referirse a las personas que componen estas comunidades inmigratorias. Ya que hay un imaginario colectivo de que los inmigrantes vienen a usurpar nuestro territorio, nuestros hospitales, nuestras escuelas, nuestro trabajo y quitarnos lo que nos corresponde como ciudadanos argentinos.

Paralelamente, se esta dando en este último tiempo desde el punto de vista de los gobiernos latinoamericanos un discurso de unidad territorial con una connotación de hermandad para formar parte de una misma cultura que comparte tradiciones que fueron arrebatadas por los imperialismos de los principales centros dominantes. De esta manera, en los discursos políticos parecerían desaparecer las diferencias culturales existentes enfatizando la tradición histórica compuesta por un mismo origen de saqueo, invasión, matanza de parte de los colonizadores europeos. Remarcando las riquezas naturales de cada uno de los países que mediante una fuerte unión regional hará posible un bloque firme para lograr dejar de depender de los países hegemónicos mundiales. Sin embargo, estos discursos no dan cuenta de las diferencias reales existentes entre estos pueblos que conviven en un mismo territorio y lo que éstas generan que no es más que el alejamiento entre uno y otros. Es así que el problema comunicacional entre los ciudadanos latinoamericanos se contrapone al discurso por parte de los gobiernos territoriales.

Desde el punto de vista de los ciudadanos argentinos y los ciudadanos inmigrantes existe una fuerte incomunicación, que hace presente un conflicto, ya que no se postula una relación de igualdad. Es por eso, que dichas comunidades inmigratorias generan sus propios espacios comunicacionales como por ejemplo, en bares, en fiestas, totalmente separados. Esto trae aparejado un aislamiento y grandes dificultades comunicacionales para su integración, haciendo más evidente las diferencias de los sistemas interpretantes producto de la contextualización cultural. Produciendo un discurso antagónico al propuesto por los gobiernos latinoamericanos que exaltan un discurso plagado de adjetivos con una fuerte connotación a la unión latinoamericana.

Tal vez después de tantos años de incomunicación entre los territorios latinoamericanos ha llegado el momento de dejar de lado las diferencias culturales como abordajes de las diferencias y comencemos a aceptarlas como formas de vida diferentes, como costumbres diferentes, y que eso no nos lleve a no ver que formamos parte de una tradición cultural latinoamericana que puede generar una relación de alianza en nuestro continente.

Para leer esta nota completa adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.

La nueva mirada del Siglo XXI

2008-11-08T15:10:00.005-02:00

….existen ilegales porque existe una legislación que define la migración espontánea como infracción…

Por M. Laura Flores

Ojos de otro siglo
Si con las primeras corrientes inmigratorias se fue dando una “europeización” de nuestro país, con los recientes contingentes se incorporó el componente “latinoamericano”, que lejos está de poseer la misma mirada que tenían aquellos de principio del siglo XX.

Una contradicción recorre la anatomía de la Argentina. Nuestro país tiene una tradición solidaria (por otra parte, propia de los países del Cono Sur) y desde siempre ha sido señalado como hospitalario. Sin embargo, este principio de siglo nos trae una contradicción ardua de comprender, contradicción que cabalga entre la bienvenida a las corrientes inmigratorias europeas de hace 60 años y la aguda estigmatización de corrientes de latinoamericanos que fluye hoy.

Aquella primera inmigración europea logró fusionarse y asimilarse históricamente, al punto de lograr una identidad que se refleja en la frase “los argentinos descendemos de los barcos”, aun cuando la inmigración real haya distado de las pretensiones de la elite de aquel momento y las oleadas de proletarios y campesinos españoles e italianos fueron mucho mayor que los añorados ingleses, franceses y galeses. “Es que con esos enjambres de inmigrantes de todas las nacionalidades, vienen oleadas de barbarie no menos poderosas que las que en sentido opuesto agitan a la Pampa…”, le escribía Sarmiento al Ministro de Asuntos Exteriores de Venezuela, en 1870.

Es difícil entonces, entender por qué esta nueva inmigración latinoamericana tiene matices que rozan la marginalidad y mientras la inseguridad se torna en una sensación crecientemente cotidiana, el inmigrante boliviano, peruano, paraguayo, comienza a ser presentado como culpable de variados padecimientos. Enemigo implícito en una lucha por los pocos, informales o precarios trabajos subsistentes, responsable de la delincuencia y depredador masivo de los lerdos servicios sociales.

El amanecer del exilio
Los años sesenta y setenta fueron, para América Latina, el amanecer a los cruentos golpes militares. Amanecía sin sol, y durante ese oscuro día del continente, fueron millones los latinoamericanos que se vieron obligados a dejar sus países para escapar de la represión. Los países del cono sur fueron particularmente afectados por la ocupación militar, y por tanto fue allí donde se registraron las tasas de exilio más altas. En muchos casos, los destinos fueron países de Europa (como un trueque del destino, los mismos europeos que décadas atrás -en muchos casos escapando de la guerra- pisaron suelo americano fueron los que recibieron a nuestros exiliados políticos), pero otras veces, se exiliaban hacia países limítrofes. Así se da el caso de chilenos y uruguayos que cruzaron la frontera para instalarse -algunos definitivamente- en Argentina.

Si bien aquella oleada de inmigrantes-exiliados fue abundante y marcó de alguna forma la vida social y cultural de nuestro país, no menos impactante fue el éxodo masivo que en la década del 90 impactó a Argentina. Esta vez, fueron -en su mayoría- bolivianos, peruanos y paraguayos que se vieron obligados a dejar sus países por falta de políticas sociales que plantearan una mejor calidad de vida en sus tierras.

Para leer esta nota completa adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta.

Argentina for export

2008-11-08T15:07:00.001-02:00

Por Leandro Fuentealba

Freddy Flores es un joven que decide probar suerte en otro país, dejando a su familia en su viejo hogar, con el deseo de traerlos con él cuando se estabilice económicamente. Luego de dos semanas consigue un puesto en un bar y es ahí donde conoce a Rosa Sanchez, una antigua empleada que ayuda a Freddy, explicándole como se manejan las cosas en el lugar. Los días pasan y se van conociendo cada vez más. Una noche deciden salir juntos a bailar y luego de unas cuantas cervezas, Rosa lo invita a su hogar, donde sucede lo inevitable.

Cómo hacer para que una eminente aventura romántica, donde el protagonista tendrá que decidir entre el planteo moral de dejar a su familia por el nuevo panorama amoroso que se presenta, se convierta en una historia dramática de la cual todos los protagonistas tienen una sola meta en común: sobrevivir al día siguiente. Muy simple, primero darle a los protagonistas nacionalidades extranjeras, boliviana, como el caso de Freddy y paraguaya en el caso de Rosa, y situarlos en un lugar hostil como Argentina al borde del colapso económico. Con solo esos dos detalles se cambia drásticamente el género del film. Esto da cause a una nueva historia que escarba en lo mas degradante de nuestra sociedad, exponiéndola frágil y carente de sentimiento. Un detalle no menor al que hace referencia el film es el tiempo, el correr contra reloj, éste en Bolivia es un personaje mas, y por qué no, el principal antagonista, el cual deja a todos los restantes protagonistas en el rol de victimas y victimarios.

Con respecto a los planos Adrián Caetano, su director, no se complica demasiado, utiliza encuadres cerrados, simples y sencillos, los cuales funcionan pero carecen de compromiso alguno. El noventa por ciento del film transcurre en el pequeño bar de Enrique, lo que ayuda a mostrar minuto a minuto el ahogo que se va haciendo cada vez más asfixiante a medida que avanza la historia.

Con respecto a la fotografía, Buenos Aires es una ciudad, que, a los ojos de un extranjero ilegal en busca de empleo, se ve en escala de grises. De esa manera nos la muestra Caetano, un lugar que carece tanto de color como de esperanza, mientras desborda de resentimientos y fracasos.

Si bien Bolivia se estrenó en el año 2001, Adrián Caetano pertenece a la nueva camada de directores nacionales, y por qué no, latinoamericanos, que escapan al ¨star system¨ impuesto ya hace varias décadas por el cine comercial hollywoodense. Aquí el director decide apostar a mostrar la esencia de una sociedad, contada por sus propios miembros, utilizando en su mayoría a actores no profesionales.

Basado en el cuento de Romina Lanfranchini, Bolivia fue predecesora de Pizza, Birra y Faso, estrenada en 1997 y antecesora de Un oso rojo, cuyo estreno se dio en el 2002. No hace falta hurgar demasiado para darnos cuenta el recurrente tema que aborda el director en sus filmes, donde la exclusión esta subrayada en cada uno de ellos. En este caso, la amalgama argentina de Spike Lee y Tim Burton, se refiere a Bolivia como un enfrentamiento entre gente de la misma clase social. Una guerra de pobres contra pobres.

Educación con-fronteras

2008-11-07T21:35:00.005-02:00

Por Cristina Passarelli

“Jamás acepté que la práctica educativa debería limitarse sólo a la lectura de la palabra, a la lectura del texto, sino que debería incluir la lectura del contexto, la lectura del mundo.”

(Paulo Freire)

Qué acostumbrados estamos a ponerle rótulos a las cosas, y a situaciones de la vida.

Nuestra mente está tan clasificada y estructurada, que si no encasillamos en éstas, a las personas, pareciera que las mismas no son reconocidas como tal. En estos últimos tiempos, una gran oleada de gente de distintos lugares de Latinoamérica se ha ido instalando entre nosotros y han tratado de mezclarse. Entre ellas encontramos a los niños (de origen boliviano, peruano y paraguayo, entre tantos otros).

La escuela les ha abierto sus puertas tratando de brindarles la oportunidad de crecer y aprender nuestra cultura.

Ahora bien, ¿dónde dice que a estos niños les interese saber acerca de los símbolos patrios, o recitar la oración a la bandera cuando comienza el día?
Si apenas podemos los docentes, sostener la motivación de los alumnos argentinos, con respecto al respeto de nuestros antepasados y el reconocimiento de nuestra propia historia; ¿cómo hacerlo entonces en aquellos niños que no comparten nuestro pasado?
¿Por qué ha de importarles a los bolivianos, desarraigados de su tierra sin consulta previa? Alguien se pregunta: ¿qué es lo que les importa saber o conocer? ¿No creen, que tienen ya bastante con el desconocimiento de nuestra lengua, la nostalgia de sus olores, y las costumbres sociales tan diferentes de las nuestras?
Sus tiempos son muy distintos...

Un niño boliviano, peruano o de cualquier otra nacionalidad, es discriminado y se discrimina así mismo. Es discriminado por sus compañeros, ya que habrá quienes, se esfuercen por ayudarlos, pero la gran mayoría se esfuerza por aislarlos y, si pueden, por agredirlos.
Un niño que no entiende, es un niño que no puede integrarse ni integrar a otro.

Ante la incomprensión e intolerancia, surge la inquietud de tratar de comprender, una convivencia impuesta, (los niños son bastante crueles a la hora de integrar).
¿Cuales son las herramientas que tiene la escuela para salvar estas situaciones realmente agresivas y permanentes?

La gran mayoría de las personas copiamos modelos, y los niños no son la excepción.

¿Cómo puede la maestra acercarse a ellos, cuando las mismas palabras significan, para ambos, diferentes cosas? ¿De qué manera todo el amor que la maestra da todos los días a través de muchas situaciones, puede convertirse para esos niños recién llegados, en algo provechoso?

¿Cómo se puede trabajar en conjunto con la comunidad (como dicen nuestros programas de educación), si la propia familia dedica horas enteras para ganarse el pan de cada día y subsistir hacinados y agradeciendo al patrón por haberles dado casa y comida a cambio de migajas?
¿Hasta qué punto, la madre o el padre, puede ayudar a sus hijos si en la mayoría de los casos también desconocen nuestra lengua?

Es fácil abrir la puerta para dejar ver que somos “integradores de cultura”, lo difícil es sostener programas apropiados que conduzcan al desarrollo personal de estos alumnos. Sería bueno encontrar políticas educativas y sociales que se interesen por crear una verdadera escuela integradora.

Personalmente sigo creyendo que todo se puede cuando se quiere, pero no siempre sabemos o podemos hacerlo, sobre todo si somos unos pocos y no contamos con los tiempos necesarios para trabajar en particular con cada una de estas diversidades; sin contar que tampoco conocemos sus costumbres, más, que por lo que la experiencia nos deja.

Estos niños, a lo mejor estén de paso, a lo mejor constituyan nuestro futuro, entonces me pregunto, ¿qué estamos haciendo para cambiar y proyectar nuevas mentes creativas?

Deberíamos aprovechar lo bueno y positivo de cada cultura, para construir juntos un mañana superador de conflictos sociales y discriminación innecesaria. Si nuestros representantes, aquellos que tienen hoy la responsabilidad de formar un modelo de país mejor, pusieran el acento en analizar las diferencias, superaríamos ampliamente modelos de vida mediocres y fracasados, y, por supuesto, nuestros niños latinoamericanos encontrarían la forma de convivir en una Argentina pacifica y contenedora, que les provea de insumos sociales y culturales para el progreso de todos.

Polleras de novela

2008-11-07T21:31:00.002-02:00

Por Emiliano Cosenza

La aparición de Los siete locos en 1929 convirtió la idea de separación y divorcio con Carmen Antinucci en una decisión tomada. Arlt arrancó la primera página de uno de los ejemplares y se lo entregó a su mujer para que lo leyera. Carmen, que sabía de los amoríos de Arlt, se detuvo en la primera librería que encontró y compró un ejemplar; de inmediato se enteró que aquella novela estaba dedicada a Maruja Romero. En medio del escándalo decidieron la separación. Carmen se mudó a Córdoba con Mirta y Arlt se quedó en Buenos Aires, deambulando de pensión en pensión, de barrio en barrio.

En alguna de esas habitaciones funestas, Arlt le escribió a su hermana Lila: “Estoy en un momento de mi vida en que tendré dinero y tengo experiencia para ensayar otra vida. Si ese ensayo fracasa, tengo energías, talento y fuerza para separarme de lo que no me conviene. Pero ahora sé que lo que no me conviene es esa mujer. Pensá que yo puedo ser Erdosain, pensá que ese dolor no se inventa ni es literatura, ese dolor es el que he llevado al lado de esa mujer en ocho años de condenación”.

Durante unos años, Arlt ensayó esa nueva vida sin las torturas de Carmen. Y si bien la separación parecía definitiva, en 1933 Arlt le dedica a ella los relatos reunidos en El jorobadito. Dice la dedicatoria: “Me hubiera gustado ofrecerte una novela amable como una nube sonrosada, pero quizás nunca escribiré obra semejante. De allí que te dedico este libro, trabajado por calles oscuras y parajes taciturnos, en contacto con gente terrestre, triste y somnolienta. Te ruego lo recibas como una prueba grande del amor que te tengo”. Al respecto, Sylvia Saítta —en su biografía de Roberto Arlt, El escritor en el bosque de ladrillos— señala: “La dedicatoria no hace sino tornar ambigua la intención pues Arlt no sólo no le ofrece ‘una novela amable como una nube sonrosada’ sino que le dedica uno de los libros más violentos y agresivos hacia la mujer”.

Parte de la vida de Roberto Arlt sigue viva en sus ficciones. Sus mujeres y la relación que tenía con ellas están eternizadas en dos novelas: Los siete locos y El amor brujo. La primera parece haber sido escrita como redención a las torturas de Carmen y la segunda está íntegramente dedicada al amor que nunca tuvo: Maruja Romero o Irene Loayza, en la novela.
Su segunda esposa, Elizabeth Mary Shine, quedó afuera de las ficciones, incluso Arlt le prohibió que leyera su obra porque trataban de otro amor y decía que eso podía entristecerla. “Respeté su deseo mientras vivió —cuenta Elizabeth—, pero a la muerte leí todos sus libros. Me parecieron excelentes, y en vez de tristeza, siempre me trajeron la alegría de haberlo tenido, aunque sea, por unos años de mi vida”..

(Para leer esta nota completa adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta).

Teatro y Experiencia: en busca de las raíces de la historia.

2008-11-07T21:27:00.003-02:00

El teatro como medio de conocimiento de la realidad y dos espectáculos que abordan la problemática de la inmigración desde nuevas perspectivas.
Por Cristian Palacios

Siempre he sostenido que el teatro, y el arte en general, son una forma de conocimiento, distinta de la ciencia o la religión. Creo que podemos aprender mucho del mundo mirando teatro, aunque nuestro aprendizaje no sea traducible a leyes y predicciones. El exceso de información, como se sabe, desinforma (confrontar el pasado conflicto “Campo vs. Gobierno”). Por el contrario, el arte posee la virtud de plantear preguntas y problemas y conmover de ese modo a la reflexión a largo plazo antes que a la toma de decisiones inmediatas.

Es el ejemplo de Los hijos de los hijos, espectáculo que Damián Dreizic e Inés Saavedra presentaron en una casa-teatro, desde el 2005 hasta el 2007, que se aferra a pequeños relatos e historias de inmigrantes para montar una semblanza sobre el desarraigo. También es el caso de Súper Crisol de Los Macocos que elaboraba una complicada comedia musical de tinte bizarro sobre alguno de los íconos de la última inmigración: el supermercado chino, el verdulero paraguayo, el rumano ciego, todos los chistes xenófobos habidos y por haber. En ambos espectáculos el gran leitmotiv es el trabajo. O podríamos decir mejor: el dinero y el trabajo.

No se sabe bien en qué momento del siglo pasado, las luchas sociales cambiaron su orientación y el enemigo dejó de ser el capital a secas para pasar a ser el capital extranjero. Fue el fracaso de la conciencia de clase, dado que un obrero argentino se sentía más cerca de un terrateniente argentino que de un obrero paraguayo. Para los recién llegados a principios del siglo XX a estas costas de América Latina, estaba claro que el enemigo seguía siendo el mismo que los castigaba con el flagelo del hambre en la lejana Europa, para los hijos de los hijos ya no quedaba tan claro y así muchos de los explotados pasaron a ser explotadores. Éste es el transito que desde el humor, transita el protagonista de Súper Crisol. En Los Hijos de los hijos es la resignación frente al fracaso, frente a un pasado familiar que se desdibuja, frente a la búsqueda de unas raíces que se tornan ilusorias.

No es la menor tragedia para el teatro nacional, que en el esfuerzo por destacar o diferenciarse, que en la confusión en que lo ha sumido una crítica pedante y estéril, haya olvidado lo mejor que tiene para ofrecernos. Afortunadamente siguen estando ahí, cientos y cientos de pequeñas salas que a la sombra de los espectáculos masivos todavía pueden brindarnos la experiencia de una buena historia.

(Para leer esta nota completa adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta).

Pensar las artes como un Mc Donalds

2008-11-07T21:24:00.003-02:00

El papel del arte en la actualidad

Por Mariel Bordenave

Hace unos años leyendo el “Diario de Colón”, me sorprendí ante su mirada de las Américas, como un lugar exótico por su vegetación, sus habitantes, costumbres, creencias y por supuesto, su cultura. Claramente, para él esta gente era incivilizada.

Pero en fin, para muchos artistas estas tierras fueron ricas para su producción, ya que lo exótico del lugar les permitía mostrar sus dotes técnicas. Estos artistas queriendo (o sin querer) fueron quienes presentaron al resto del mundo como era esa América, en una función mucho más cercana a la de un comunicador, que a la de un genio del arte. ¿Pero por qué hablo de esto cuando la temática es la inmigración actual de la Argentina?. Porque curiosamente busqué, sin suerte, algún artista que tomara esta temática en su obra, que mostrara que es lo que estaba sucediendo en este momento (y desde hace unos años) en nuestro país; lo cual me llevó a una reflexión que paso a compartir.

Resulta ser que en los años 70 estábamos sumergidos entre peronistas y anti-peronistas, lo político era lo importante: muchos artistas (por supuesto no en los circuitos oficiales) hablaron y denunciaron por medio de su obra lo que sucedía. Muchos de ellos se tuvieron que callar, o los callaron (o todos los etc que corresponden a esta historia), pero cuando volvió la democracia, algunos de los artistas que no pudieron mostrar su obra, comenzaron a hablar.

Para este momento el mercado del arte argentino ya había comenzado a adquirir cierto vicio de tomar para sus galerías a artistas que preferían comprar o tomar vanguardias extranjeras como propias, sin pensar en el transfondo o el concepto que las inspiraban, sino que mas bien solo copiaban una formula europea o americana (sin lo latino) de técnicas políticamente correctas hoy llamadas “multiculturales” (ja!) o representaciones universales, poniendo así el arte argentino nuevamente en el centro del arte internacional, no como un arte excéntrico o diferente, sino como un país de Latinoamérica, muy europeo.

Ni me detendré demasiado en la década del menemato, los hermosos 90, donde en el arte casi podríamos decir que lo mejor era dejar de pensar. Y ni hablar de que éste represente su actualidad, ni de críticas; solo arte lindo para no reflexionar, galerías llenas de pinturas color pastel que siguen invadiendo en gran medida el arte argentino.

Por supuesto que en estas galerías hay arte que representa – con mucha fidelidad de caracteres físicos – a estos seres exóticos que han invadido nuestro país, bolivianos, paraguayos y otros. Pero justamente éstas obras, los presentan como eso, como seres rarísimos e incivilizados de los que habla Colón en su Diario de Indias. ¿Será que somos los pintores de los exóticos de antaño? O ¿será que no hemos avanzado en nada?, ¿será que de verdad creemos que somos europeos en América, o simplemente será que construir una identidad latinoamericana nos es muy difícil porque nos tenemos que sentar a pensar qué queremos ser y cómo queremos construirlo?

(Para leer esta nota completa adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta).

Aguafuertes de una mujer cosmopolita

2008-11-07T21:12:00.004-02:00

No-Tos
Una menta para la guerra bactereológica

Por Eugenia Hardenack

Como la gran mayoría de las mujeres posmodernas, trabajo. Y tengo un empleo que también me animo a llamarlo posmoderno. Un lugar donde no se puede más que consumir, no hay más que consumidores o potenciales consumidores y no se oferta o vende más que productos suntuarios. Todo lo que gira alrededor de esta imagen es “glamour”, belleza, lujo. Sin embargo, esta plagado de eventos y situaciones que no hacen más que desmitificar ese imaginario colectivo que aparece cada vez que digo dónde trabajo.

Yo quisiera saber quién cuernos inventó la frase “El cliente siempre tiene la razón” esa frase tan bien ponderada por los empresarios y dueños, y tan cruel y paralizadora para todos los que trabajamos en atención al público. Si yo también soy clienta y sé que no siempre tengo la razón, por qué debo creer ese invento, y lo que es peor, por qué debo actuar en complicidad con aquel décimo primer mandamiento.

Hace pocos días atrás me tocó en suerte la presencia de una clienta que aparentaba provenir de cuna de oro, tan elegante parecía su andar cuando se acercaba hacia mí con su mirada desafiante a proponerme el tan cansador juego de la oferta y la demanda. Era una mujer algo entrada en edad, me animaría a decir que la tercera edad ya la estaba transitando hace tiempo, sin embargo, su indumentaria decía a gritos ¡que joven es! No solo su vestimenta rogaba la juventud, sino también el botox en sus flamantes pómulos. Qué vendrá buscando, qué le hará falta a esta mujer que yo le pueda ofrecer aquí hoy. Llegó. Buenas tardes señora, ¿En que la puedo ayudar? Su respuesta no se concretó en palabras, solo tosió. Sí. Cuando iba a empezar a hablar, algo en ella se despertó, y como si fuera Carrie con el demonio adentro, y de ahí en más empezó mi infierno. Que cosa tan desagradable. ¿No podría haberse tapado aunque sea una vez la boca? ¿Por qué no miró para otro lado mientras tosía? Si atrás de ella no había nadie. ¿Por qué me tenía que estar mirando mientras desgastaba su garganta? Me estaría tratando de pedir que le palmeara la espaldita para que parase de una santísima vez. ¡Por Dios! Su rostro ya no tenía un color tan saludable, estaba roja como la bandera comunista (que insulto podría llegar a ser este para aquella mujer). En un primer momento pensé: “Pobre mujer”. Que poco me duró la misericordia. Aunque la verdad es que ella tampoco lo fue mucho conmigo. Pero como “el cliente siempre tiene la razón”, decirle que se tapara la boca o que no me tosiera en la cara podría resultar ofensivo. ¿No es una paradoja? ¿Qué le podía yo decir? Más que ‘señora se siente bien’, ella asentía con la cabeza y algo balbuceaba, pero a mi ya nada de eso me importaba. Sólo pensaba qué remedio iba a estar tomando al día siguiente. No ella. YO. Finalmente en un momento su organismo, algo deteriorado por el tiempo lógico de la vida, que ella sabía disimular tan bien a costa de quirófano y cosmética, dio tregua y llegó a pedirme lo que necesitaba. Qué rápido que la asesoré. Nunca antes había sido tan eficiente y veloz como aquel día. Ni me gasté en dar detalles del producto, se lo dí y rogaba por dentro que no tuviese ninguna duda o ningún tipo de objeción. ¡Dios existe! Creo que me quiso agradecer la atención pero Carrie volvió otra vez. Yo busqué desesperadamente otra tarea que me permitiera irme del bombardeo bacteriológico. Así que con un gracias casi a la distancia la despedí, pensando que no todo lo que brilla es oro.

Cuando se estaba yendo, con su mismo caminar, aparentemente satisfecha, me di realmente cuenta lo que podría haberle ofrecido. Un caramelo para la garganta.

(Para leer esta nota completa adquirí la edición impresa de PostaData en sus puntos de venta).